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Wo sind Sie aufgewachsen?

Meine Geburt wurde am 5. Februar 1948 in Coupeville, Washington, auf Whidbey Island im Puget Sound registriert, lange bevor dieser Ort zu einem Vorort von Seattle wurde. Den größten Teil meiner Kindheit verbrachte ich jedoch in Parkrose, Oregon, und College Place, Washington. Das ist im Nordwesten der USA, aber nur einen Staat von der kanadischen Grenze entfernt.

Kulturell wurde ich jedoch als Siebenten-Tags-Adventistin in einem sektenähnlichen Umfeld mit extremen religiösen Praktiken erzogen. Ich besuchte bis zu meinem 22. Lebensjahr keine öffentlichen Schulen und durfte bis zu meinem 22. Lebensjahr und meiner Heirat keinen Kontakt zu Nicht-Kirchenmitgliedern haben. Bis zu meinem 22. Lebensjahr und meiner Heirat waren mir der Vietnamkrieg und die in der „realen Welt“ erworbene Gedankenfreiheit unbekannt. Meine Vorfahren sind sowohl das, was man scherzhaft als „Mayflower“ bezeichnet, als auch „Indigene“, und praktizierten extreme religiöse Praktiken, die kulturell diametral entgegengesetzt sind.

Ich lebe jetzt in Albany, Oregon, mit meinem Mann, mit dem ich seit 56 Jahren verheiratet bin und der ursprünglich aus Great Falls, Montana, stammt. (Denken Sie an den Wilden Westen, Siedler, Bergleute, Indianer und Cowboys.) Ich praktiziere diese Glaubenssätze und religiösen Vorschriften nicht mehr …

Was hat Sie am Weben gereizt?

Meine Neugierde für handwerkliche Tätigkeiten wurde damals geweckt und aufrechterhalten. Außerdem haben sie meine Taschen gefüllt und tun das immer noch – kleine Dinge, die ich mit mir herumtragen konnte, um die Langeweile zu vertreiben, wenn ich nur wenige Spielkameraden hatte. Auch das Weben von Wandteppichen war nicht meine erste Liebe, das kam erst viel später. Meine „Mayflower-Oma” setzte mich immer auf den Boden in eine hintere Ecke des Familienladens oder auf ihr Bett, wenn sie krank war, und las mir entweder vor, häkelte, stickte oder gab mir Dosen, Schachteln, Papier und Taschentücher, um nützliche und unnütze Textilkonstruktionen zu basteln („whatever’s” oder „fribbles”). Beachten Sie, dass es kein Weben war. Behälter wurden zu Webstühlen, Weben, Häkeln und Nähen wurden zu allem, was ich wollte und manchmal brauchte, um mich davon abzuhalten, erstickt und erdrückt zu werden. Nachbarn, manchmal Verkäufer und Freunde kamen ständig vorbei und fügten meinem Vorrat etwas hinzu, während sie Tee tranken und meine Oma und meinen Opa besuchten. Alles, um ein hyperaktives, neugieriges Kind zu unterhalten und aus Schwierigkeiten herauszuhalten.

All die verschiedenen Geschäfte in College Place, Washington, dem Sitz der Walla University in der Innenstadt, trugen emotional dazu bei, sei es, indem sie mich verpetzten, wenn ich gegen die Regeln verstieß, oder indem sie mich als „Maskottchen“ – mangels eines besseren Wortes – der Innenstadtgeschäfte in einer sehr kleinen Stadt betrachteten, deren Hauptattraktion ein adventistisches College war und in der heimwehkranke Studenten aus verschiedenen Teilen der Welt untergebracht waren, die betreut wurden und den Laden und das Haus meiner Großeltern frequentierten. Etwa 40 Jahre später handelte mein erstes Buch ausschließlich von Shaped Tapestry und dem Bau von Webstühlen und maßgeschneiderten Konstruktionen, nachdem ich Schneiderei und „McGivering“ gelernt hatte (etwas aus dem Nichts erschaffen). Die meisten Informationen hatten nichts mit Tapestry zu tun, zumindest dachte ich das oder wusste ich das vor meinem 30. Lebensjahr.

Was mich letztendlich jedoch am Tapisserie-Weben faszinierte, waren die zwei Definitionen des englischen Wortes „tapestry“: Bild-Teppich oder Zusammenklingen von verschiedenen Dingen. Und dass ich mein Jurastudium abbrach und zu meinen Wurzeln im „Fribbles“-Animationsstil und in der Textilkunst zurückkehrte. Und schließlich fand ich den Weg, um alles zu haben, zum größten Teil. Ich fand heraus, was ich wirklich tun wollte: Embellishment von Oberflächen, Animation, Geschichte, Wirtschaft (basierend auf dem ersten Kontakt zu den Ureinwohnern) und narrative Arbeit, um wichtige Geschichten zu erzählen, die oft verloren gegangen sind oder aus verschiedenen Gründen aufgrund von Geschlecht, Rasse und religiöser Intoleranz aus dem Gedächtnis entfernt wurden wurden. Und ja, viele der Wandteppiche und ihre Geschichten waren in wunderschönen Kisten eingeschlossen, die von einem Freund, einem Gitarrenbauer, angefertigt worden waren, aber für Ausstellungen und Verkäufe geöffnet wurden.

Natürlich hatten meine Großeltern ein wenig Hilfe durch meine beiden Onkel. Der eine studierte, um Jesuit zu werden (Hugh Cairns), und liebte es, mir Bücher zu schenken und mit mir über Philosophie, Symbolik, die Romantik, Romane und natürlich die „blaue Rose“ (symbolisch für unerreichbare Liebe und Sehnsucht) sowie klassische Musik zu diskutieren – alles Dinge, die mir in der Schule verboten waren. Scholastik vom Feinsten. Bücher und Dinge, die „verboten und als sündhaft galten“. Meine Onkel liebten es, jede Diskussion, jede Debatte, jeden Diskurs zu verdrehen. Ab und zu gönnten sie mir den Luxus, gelegentlich Recht zu haben.

Ein anderer Onkel, Dorf Jones, war ein bekannter Schwarz-Weiß-Fotograf und „Bastler in Wissenschaft und Physik“. Er brachte mir Design, die Bedeutung von Farbwert und Farbe, alte Fotografie und das, was man heute als Surrealismus in der Kunst bezeichnen würde, sowie die Fähigkeit zu „träumen“ bei.

Wie schaffen Sie ein Werk?

Meine Arbeit dreht sich im Allgemeinen um Erzählungen und natürlich um Farben und optische Verschmelzungen in all ihren geheimnisvollen, herrlichen Facetten. Geprägt haben mich Johannes Itten aus der frühen Bauhaus-Zeit und der Gobelin-Färber DeChevalier, der als Vorläufer des „Divisionismus” und „Pontillismus” gilt. Ich stamme aus einer Familie von „sozialen Lesern” und Geschichtenerzählern auf einer Seite meiner Familie. Sie rezitierten Geschichten und Predigten für diejenigen, die oft weder lesen und schreiben konnten, noch Zugang zu Büchern, Zeitungen oder sogar der Bibel hatten. Es war eine Art „alte Wildwest-Tradition”, ähnlich wie die mündlichen und gemalten „Wintercount“-Tagebücher* der Lakota.

Geschichte wurde durch mündliche Erzählungen von einer Person zur anderen weitergegeben oder durch Geschichten, die geteilt und dann immer wieder wiederholt wurden… bis ins Unendliche und zurück, wo sich die Menschen in der Vergangenheit versammelten. Unterhaltung und Bildung, wo es oft keine Bücher, Aufzeichnungen, Zeitungen oder (oh Schreck!) das Internet und soziale Medien gab.

Ich erinnere mich daran, dass meine Familienmitglieder alles auswendig rezitieren konnten, von jeder Seite der Saint James Bible über Foxes Book of Martyrs bis hin zu Edgar Allen Poe, Predigten, die in der Kirche und von Missionaren weitergegeben wurden, Romane von Sir Walter Scott Romane & Ben Hur (das Buch), persönliche Tagebücher etc.
Das sind also meine Wandteppiche – Geschichten, Offenbarungen, Prophezeiungen, Dämonen, lustige Geschichten (lange Scherze oder erzählte „winter counts” bewegender Ereignisse).

Meine Erzählungen basieren auf dem, was ich in meinen Tagebüchern geschrieben habe, sowie auf der Symbolik, die Bildern, Folklore, mündlichen Überlieferungen und Träumen innewohnt, die ich in meinen Tagebüchern festgehalten habe. Als Kind fuhr ich jeden Tag zwei Stunden mit dem Schulbus zur Schule und zurück, zusammen mit einer Gruppe von Kindern, die beschlossen hatten, dass es ihr privilegiertes narzisstisches Eliterecht sei, alles zu zerstören, was sie nicht verstanden. Später machte mich eine meiner Lehrerinnen, Louise Klemperer, mit Ira Progoffs intensiven Tagebuch-Workshops bekannt, die mir ein wenig halfen, das Chaos meines oft zu neugierigen Geistes zu ordnen. Vieles von dem, was ich tue, basiert auf diesem Grundgerüst, wurde jedoch verändert und an die figurative Arbeit angepasst, die ich durch das Studium von Ira Progoffs intensivem Tagebuchschreiben und aktivem Zuhören gelernt habe, während ich vor einer Million Jahren und in einem anderen Leben in Hotlines und Krisenzentren gearbeitet habe.

Könnten Sie den Entstehungsprozess von der Idee bis zum fertigen Kunstwerk beschreiben?

Zunächst einmal, und das ist wahrscheinlich das Wichtigste, führe ich seit Jahren verschiedene Arten von Tagebüchern, in denen ich meine Fotos und Bilder von allem, was ich aus irgendeinem Grund haben möchte, sammle. Die Tagebücher bestehen aus Ideen und Fotos von Ideen, Blumen, Techniken und nerdigen Dingen, Zitaten und Elementen, die ich vielleicht eines Tages in einem Wandteppich verwenden möchte. Meine Wandteppiche wurden in der Vergangenheit als „Chaos innerhalb eines Rahmens” bezeichnet. Das Geheimnis meiner Entwürfe ist, dass sie „kein Chaos sind”, sondern vor Beginn der Webarbeit geplant werden.

Die Entwicklung eines Wandteppichs beginnt in der Regel mit etwa 20 Fragen. Meinen Schülern sage ich folgendes:

Schritt 1 – Der Prozess, den ich unterrichte, beginnt mit einer fokussierenden Aussage – drei prägnante Sätze darüber, warum sie den Wandteppich weben, Zeitplan (vielleicht ist er wichtig, vielleicht auch nicht). Im Laufe der Zeit werden etwa 20 Fragen und Cartoons überarbeitet, aufgeteilt, wiederverwendet (manchmal Jahre später) und verwendet. Es ist bekannt, dass sich die fokussierende Aussage im Laufe der Zeit ändern kann und aus Gründen, die nur den Schicksalsgöttinnen bekannt sind, können Sie regelmäßig alles oder nichts innerhalb einer Webarbeit verändern.

Schritt 2 – Schreiben Sie 20 Dinge auf, die Sie über den zukünftigen Wandteppich wissen. Wenn Ihnen das nicht gelingt (es sei denn, es handelt sich um eine Farbstudie), müssen Sie möglicherweise weitere Recherchen anstellen. Die 20 Dinge können alles Mögliche sein, von Kettfäden, Webstühlen, Materialbildern, Symbolrecherchen, Schriftarten, Papierfetzen bis hin zu Erzählungen. An dieser Stelle spielt die Größe keine Rolle, sammeln Sie einfach alles, was Sie möglicherweise einbeziehen möchten.

Schritt 3 – Beginnen Sie mit der Entwicklung des Kartons. Erstellen Sie eine schematische Liste oder einen Fahrplan dessen, was Ihrer Meinung nach sein könnte oder würde. Beziehen Sie Informationen aus den ursprünglichen 20 Fragen. Manchmal muss man, um zu verstehen wohin man will, eine der 20 Fragen nehmen und weitere 10 zu genau derselben Frage stellen. Sortieren Sie Ihre Stapel von Zeichnungen und Fotos oder… Es ist an der Zeit, unmögliche Zeichnungen und Objekte für Wege, die Sie vielleicht später für einen anderen Wandteppich aufbewahren möchten, hinzuzufügen oder wegzulassen.

Legen Sie ein Blatt Papier in einer passenden Größe und Form bereit. Kleben Sie es mit Klebeband so auf eine Oberfläche, dass es nicht verrutscht oder sich bewegt. Wie Sie es befestigen, bleibt Ihnen überlassen. Alles kann später in der richtigen Größe eingescannt werden. Wenn wichtige Elemente an bestimmten Stellen platziert werden müssen, zeichnen Sie diese grob vor. Achten Sie immer auf die Größe und Form des Webstuhls, auf dem Sie den Wandteppich später weben werden.

Schritt 4 – Zeichnen Sie die Bilder nach und erstellen Sie Umrisse. Vergrößern Sie gegebenenfalls bestimmte Formen. Ja, wie in einem Malbuch für Kinder oder den Erwachsenenversionen von Malbüchern. Der Scanner ist Ihr Freund, wenn es darum geht, die Vorlagen und Fotos in die richtige Größe zu bringen. Während Sie nachzeichnen, bearbeiten Sie, was Sie behalten möchten und was nicht.

Habe ich vergessen zu erwähnen, dass es sich hierbei im Grunde um eine Collageübung handelt? Ja, sogar Picasso hat mit Collagen einen Wandteppich-Karton geschaffen. Wir fügen nur ein oder zwei Schritte hinzu und verwenden Transparentpapier.

Schritt 5 – Beginnen Sie mit dem Layout auf dem Blatt Papier, das auf den Tisch geklebt ist und auf dem möglicherweise einige Umrisse der unveränderlichen Elemente des Entwurfs zu sehen sind. Legen Sie die Vorlagen aus, stapeln Sie sie, ändern Sie ihre Größe, drehen Sie sie um. Änderungen können nach Bedarf vorgenommen werden. An dieser Stelle gibt es kein Richtig oder Falsch, und Sie haben immer das letzte Wort. Haben Sie Spaß dabei. Entwerfen Sie das Layout und träumen Sie davon, was Ihrer Meinung nach möglich oder unmöglich ist. Die Vorlagen, die Sie nicht verwenden möchten, fügen Sie Ihrer Bibliothek für zukünftige Projekte und Möglichkeiten hinzu.

Schritt 6 – Endgültiges Layout. Verwenden Sie Papier in einer Größe, die Ihnen angenehm ist. Zeichnen Sie die Ränder des zukünftigen Werks ein und legen Sie die Vorlagen aus. Kleben Sie die Vorlagen gerade so fest, dass sie an ihrem Platz bleiben. Befestigen Sie alles gut, damit nichts verrutscht, aber lassen Sie sich die Möglichkeit offen, etwas zu verschieben, falls nötig. Verwenden Sie nicht zu viel Klebeband. Decken Sie alles mit einem großen Stück Transparentpapier ab, das das gesamte Blatt mit den Vorlagen und Hintergründen bedeckt. Zeichnen Sie die Ebenen mit einem Bleistift nach – in ziemlich dunkler Farbe. Zeichnen Sie nach, was Sie sehen. Wenn Bilder übereinander liegen, entscheiden Sie, wie die Ebenen angeordnet sein sollen, je nachdem, was näher oder weiter entfernt ist – zeichnen Sie nach.

Ich kann normalerweise bis zu 5 oder 6 Schichten überlagertes Transparentpapier sehen. (Tipp: Wenn Sie Schwierigkeiten haben, kaufen Sie sich einen preiswerten Leuchttisch, den Sie an den Strom oder Ihren Computer anschließen können, um es einfacher zu machen.)

Schritt 7 – Sobald Sie mit der „endgültigen Vorlage” fertig sind. Wenn Sie das Glück haben, Zeit zu haben, heften Sie die Vorlage für ein paar Tage an die Wand, um sich mit dem Design vertraut zu machen. Jetzt ist es Zeit für die letzten Überlegungen… Entscheiden Sie, ob Sie alles so lassen möchten, wie es ist. Schreiben Sie Ihre Überlegungen vielleicht in ein Tagebuch.
Nehmen Sie die Vorlage ab und vergrößern Sie sie mit einem Kopierer/Scanner-Programm Ihrer Wahl auf die gewünschte Größe, die zu Ihrem Webstuhl passt. Bei einigen Computern können Sie ein Bild kacheln und wie ein Puzzle zusammensetzen.

Nehmen Sie die Vorlage herunter und vergrößern Sie sie mit einem Kopierer/Scanner-Programm Ihrer Wahl auf die gewünschte Größe, die zum Webstuhl passt. Bei einigen Computern können Sie ein Bild kacheln und wie ein Puzzle zusammensetzen.

Nehmen Sie einen schwarzen Stift oder einen Sharpie – eine beliebte amerikanische Marke für wasserfeste Marker. (Testen Sie jedoch jeden Stift vor der Verwendung.) Umranden Sie alles, was Sie gezeichnet haben, damit Sie es beim Weben durch die Kette sehen können. Sie können diese endgültige Vorlage auf alles übertragen, was Sie durch die Kettfäden eines gespannten Webstuhls sehen können. Ich liebe Pergament oder Velinpapier, aber oft lasse ich meine endgültige Vorlage auf Posterpapier in der gewünschten Größe kopieren, in der die Vorlage gewebt werden soll.

Zuletzt ziehen Sie die Kette auf. Entscheiden Sie sich, ob sie Webkanten haben möchten oder nicht. Nähen Sie die Vorlage an den Webstuhl. Markieren Sie die Kettfäden UND WEBEN SIE!

Sie lieben es zu unterrichten. Erzählen Sie uns mehr über Ihre Workshops.

Ja, ich liebe es zu unterrichten, aber ich würde es eher als einen Austausch und eine Weitergabe von Informationen bezeichnen, der in beide Richtungen funktioniert. Es ist wirklich sehr motivierend, wenn jemand in der Klasse diesen „Aha-Moment” hat oder mir sagt, dass er nach manchmal jahrelangen Versuchen und Irrtümern endlich verstanden hat, was er brauchte. Das ist großartig! Ich bin auch fest davon überzeugt, dass die Verbreitung von Informationen in jeder Hinsicht und in jeder Bedeutung eine Win-Win-Situation ist. Ich liebe nerdige Tapisserie-Sachen. Jeder Schüler und/oder Teilnehmer hat eine Geschichte, die er erzählen möchte. Genau wie ich, und vielleicht kann ich ihnen mit der einen Sache helfen, die all das möglich macht. Und meistens schenkt mir ein Schüler eine neue Idee oder etwas anderes Nerdiges, wie eine Technik, die ich noch nie gesehen habe.

Wenn ich unterrichten wollte, war ich jahrelang „gezwungen“, meist kurze, überfüllte Workshops mit einer großen Anzahl von Teilnehmern zu geben. Aufgrund der Art und Weise, wie der Unterricht in den USA im Rahmen des Gilden- und Konferenzsystems stattfindet, konkurrieren „Wochenendkrieger“, Anfänger und Fortgeschrittene um Unterrichtszeit, manchmal gegen Meisterweber. In der Regel handelte es sich um Wochenenden von 2-3-4 Tagen hintereinander. Ich war gezwungen, in kleinen Einheiten zu unterrichten, ohne die Teilnehmer zu kennen oder ihre Geschichten zu erfahren. Ich war immer dankbar, wenn ich herausfinden konnte, was ich einem Teilnehmer vermitteln konnte, damit er am Ende des Workshops ein Erfolgserlebnis hatte … und vielleicht auch ich. Oft hatte ich das Gefühl, dass ich nie genug Zeit hatte, um alles oder fortgeschrittene Ideen zu vermitteln. Die Hälfte der Zeit verbrachte ich damit, Webstühle einzurichten, es sei denn, ich kam einen Tag früher. Ich sah und verstand ihren „Wunsch und ihr Bedürfnis“ zu weben, konnte aber selten erkennen, ob die Schüler alles über das Anfängerwissen hinaus gelernt hatten, um zu fortgeschritteneren Webtechniken überzugehen. Trotzdem liebte ich es. Also richtete ich meine „freien Mittwochs“ ein, um meiner Gemeinschaft etwas zurückzugeben, und erkannte, wie wunderbar und befreiend das Unterrichten über Zoom sein kann.

Meine neueren Kurse, die „Share a Bench-Kurse“, werden im Seminarstil unterrichtet. Jeder webt seine eigenen Stücke (die 20 Fragen) und ich webe gleichzeitig komplexe, detailorientierte größere Stücke. Ich bin auch ein Gegner von Mustern und ziehe es vor, meine Schüler davon wegzubringen und direkt zu den Stücken überzugehen, die sie weben möchten, und ihnen die Technik beizubringen, wenn es nötig ist. Das bedeutet, dass es Diskussionen und Beiträge von allen gibt. Das ist es, was mich bei meinen Zoom-Kursen wirklich begeistert: Wenn Sie 2 Gruppen von 8-10 Personen in den beiden 10 wöchentlichen Zoom-Kursen haben. Das ergibt 10 bis 20 verschiedene Wandteppiche, 20 verschiedene originelle Ideen, eine Woche zwischen jedem der beiden Kurse und einen Ort, an dem man 10 verschiedene Möglichkeiten zwischen den Wochen oder mehr austauschen kann, um ein bestimmtes Problem zu lösen, und einen Ort, an dem man diese Ideen mit Gleichgesinnten und einem preisgekrönten 45-jährigen Lehrer (einem der Teilnehmer) teilen kann. Denken Sie an all die Ideen, über die man sprechen, die man aufnehmen und speichern kann. Denken Sie an die exponentielle Vermehrung von Energie, Ideen und Möglichkeiten. Das ist irgendwie überwältigend, wissen Sie!!! Deshalb liebe ich es zu unterrichten.

Was hat Sie am Weben gereizt?

Ich glaube nicht, dass mich das Weben jemals gereizt hat. Als ich an der Oregon School of Arts and Crafts zum ersten Mal mit dem Weben in Berührung kam, fand ich die schweren, groben, schwarz-weißen, sich wiederholenden Muster hässlich und langweilig und fragte mich, warum jemand daran Spaß haben könnte. All dies wurde durch die Webbücher des Sunset Magazine noch verstärkt. Ich rannte, so schnell ich konnte, aus dem Webstudio zu den Lehrern für Embellishment, was ich als interessanter und sinnvoll empfand. Ich habe nie wieder einen Kurs im Weben auf dem Bodenwebstuhl besucht, außer dem zweistündigen Kurs, zu dem ich gezwungen wurde, als meine Vermeidungstaktik aufgedeckt wurde. Es war eine totale Katastrophe. Die Lehrerin ließ mich schließlich bestehen, weil sie mich loswerden wollte.
Was mich schließlich faszinierte, waren Entwürfe und Wortspiele, insbesondere Overshot (eine spezielle Webtechnik) und Coverlets im Weben. Ich betrachtete das Entwerfen als ein Puzzle, aber ich habe nie einen meiner Entwürfe gewebt. Das habe ich immer noch nicht, aber hin und wieder denke ich darüber nach, die Muster als Textur auf einem Tapisserie-Hintergrund zu gestalten.

Was mich schließlich faszinierte und zu einem der bestimmenden Elemente wurde, war das zufällige Wortspiel mit den Begriffen Tapisserie (Gobelin und Aubusson), Tapestry (britisch) und Bilddev (skandinavisch für Wandkunst).

Ich war in meinem zweiten Jahr des Studiums der Embellishment, als ich 1977 zwei weitere Stunden Studium benötigte, um mein Stipendium zu behalten. Ich meldete mich für einen Tapisserie-Kurs an, weil ich dachte, dass es sich dabei um Stickerei und Stumpwork (eine besondere Sticktechnik) handelte, (was viele Amerikaner dachten/denken). Das wollte ich als Hauptfach studieren, als ich mein Jurastudium abbrach. Ich machte bereits Entwürfe, als ich alt genug war, um eine Crewel-Nadel und einen primitiven Stickrahmen zu halten.

Alles begann, als Jean Scorgie, eine bekannte Weberin, Schriftstellerin und Designerin der 70er- und 80er-Jahre, einen großen Metallrahmenwebstuhl (Stickrahmen) von Keith Jellum mitbrachte. Jean Scorgie brauchte zwei Wochen, um mich davon zu überzeugen, dass ich das große Stück wunderschönen Leinens, das ich gekauft hatte, nicht auf dem Rahmenwebstuhl befestigen sollte. Irgendwann in der Mitte des Kurses wurde mir klar, dass ich alle Elemente kontrollieren konnte, um ein Textil mit einem unglaublichen Hintergrund an Geschichte, Wirtschaft und „erster Begegnung“ zu schaffen und eine Geschichte und/oder Erzählung über alles zu erzählen, was ich liebte und hinterfragte.

Ich muss sagen, ich hatte großes Glück. Der OSAC (Overseas Security Advisory Council) hatte großartige Lehrer ins Land geholt und war zu einem Zentrum für französische und Gobelin-Weberei geworden, und British Columbia hatte viele polnische Weber eingeladen, die die kanadischen Weber beeinflussten. Berkely in Kalifornien hatte Jean Lurçat, Jean Pierre Larochette, Marc Adams, Helena Hernmarck und so viele andere eingeladen, um Tapisserie zu unterrichten. Aber dies war auch eine Zeit, in der kleine, kleinformatige Wandteppiche und indigene Wandteppiche nicht als Wandteppiche oder gar als Kunstform angesehen wurden, sondern als Muster und Gebrauchsgegenstände, die nicht mit großen, großformatigen Wandteppichen zu verwechseln waren. Außerdem galten indigene Webereien und Gebrauchstextilien damals nicht als Wandteppiche oder manchmal sogar als wirklich indigene Arbeiten, sondern als Import aus Europa im 15. Jahrhundert, die beim ersten Kontakt oder fast ersten Kontakt mit den Indigenen entdeckt worden waren. Es schien keine Rolle zu spielen, dass die Forschung, wenn man sie las oder hörte, die Tatsache stützte, dass Wandteppiche bereits vor dem Kontakt mit den Europäern sowohl in Nordamerika (möglicherweise) als auch in Südamerika existierten. Und das Beste war, als ich in einem der nur vier Wandteppichbücher in der OSAC-Bibliothek „Mirror of History“ von Thomsen, die koptische Webkunst entdeckte. Und vielleicht am besten oder fast am besten waren Itten’s Farbtheorien und das Bauhaus. Es war fast wie ein sofortiges Zusammensetzen von allem, wonach ich mich gesehnt oder wovon ich geträumt hatte.

Sie arbeiten gerne in kleinem Format. Warum ist das so?

Ich liebte kleine Werke und Dinge, die ich in meiner Tasche mitnehmen konnte, um mich zu beschäftigen und Langeweile zu vertreiben.

Ich bin nicht im Mainstream Amerikas aufgewachsen, der sich stark von dem unterschied, was in den späten 1940er und 1950er Jahren in den USA geschah. „Fribbles” und „What nots” sind handgefertigte Gegenstände, die keinen praktischen Nutzen haben und nicht wirtschaftlich verwendet werden. Sie dienten meist als Statussymbole wohlhabender Frauen, die keine nützlichen Dinge herstellen mussten, um zu überleben. Damit wurde der Ehemann als Versorger und Teil der reichen Oberschicht bestätigt. Je nutzloser die Gegenstände, desto höher war der Status des Mannes. Wenn eine Frau arbeitete oder Geld verdiente, galt ihr Ehemann als Verlierer. Die Gegenstände sollten Frauen im Haushalt halten und sie davon abhalten, zu arbeiten oder Gleichberechtigung in der Arbeitswelt oder Kunstwelt anzustreben.

Ich hasste auch die männlichen Lehrer und die geschlechtsspezifische Bigotterie, mit der sie kleine Werke herabsetzten. Das war eine Zeit, in der Kunst groß sein musste und daher nur Männern erlaubt war und Kunst eine ganze Wand einnehmen musste. Und Größe wurde oft als Beleidigung gegen die Kunst und das Kunsthandwerk von Frauen verwendet. Aber vielleicht lag es an der Herausforderung, etwas Unerwartetes zu tun, das nicht als Wandteppich gezeigt werden durfte, obwohl es sich um genau dieselbe Technik handelte (was immer noch der Fall ist)!

Als ich wegen meiner politischen und religiösen Überzeugungen aus der einzigen Gesellschaft verbannt wurde, die ich seit meiner Kindheit kannte, fand ich Trost darin, mit kleinen Stücken zu arbeiten, die ich mit mir herumtragen konnte. Die Herausforderung, Dinge zu schaffen, die wertvoll sind und die Menschen oft als persönlicher und kostbarer empfinden. Ich mag die Herausforderung, etwas zu schaffen, das man mit sich herumtragen kann. Ich mag die Herausforderung, herauszufinden, wie viele Engel auf einer Nadelspitze tanzen können und trotzdem noch auffallen. Ich empfinde Freude dabei, Objekte aus den Resten und Hinterlassenschaften des Lebens und der Ziele einer Frau zu schaffen, die vielleicht weggeworfen werden, weil niemand die Notwendigkeit sieht, sie von Generation zu Generation weiterzugeben. Ich liebe es, Nähgarn und Stickgarn für meine eigenen Projekte zu verwenden. Das sehe ich als die Kontinuität von Ideen und Materialien. Und jetzt die Kunst des Recyclings von Materialien.

Aber zum Punkt: Die Antwort auf die Frage nach der Größe lautet: Entfernen Sie alles Überflüssige von der Wand und platzieren Sie ein kleinformatiges Kunstwerk genau in der Mitte, dann werden die Leute es sehen und wahrnehmen. Die Leute werden näher kommen. Ich glaube wirklich, dass es eine Frage des Geschlechts und eine Form des kulturellen Imperialismus ist, wenn man große Formate wählt, nur weil man es kann, und zu sagen, dass größer immer besser ist.

Was reizt Sie an der Textilkunst?

Das Beste daran ist, dass es sich zumeist nicht um Farben oder schleimige, ölige oder klebrige Substanzen handelt. Ich werde niemals Maler werden. Brr!

Es ist eine Erzählung, oft in flachem Format oder, wenn ich möchte, in Form eines gewebten Bildes. Die Geschichte ist oft wichtiger als die Technik und die Materialien. Aber ich liebe es, die verschiedenen Fasern und Wollsorten zu vergleichen und die Wechselwirkungen der verschiedenen Elemente oder Materialien zu beobachten. Die faszinierende Welt der optischen Vermischung. Jeder Schritt ist eine fortwährende Herausforderung und ein Rätsel. Wandteppiche haben die Fähigkeit, eine Geschichte zu erzählen. Es ist Geschichte. Es ist Herkunft. Es ist universell. Es ist die Fähigkeit, nerdige Techniken zu vermitteln. Es ist eine verborgene Realität. Ich liebe das Gefühl der verschiedenen Wollsorten (Merino, Wolle von Churro-Schafen, Paternayan-Garn, handgesponnenes Garn) und wie sie in einem Design reagieren und gut mit Stickmaterialien (z.B. Zahnseide) harmonieren. Die Anpassungsfähigkeit an historische Formate, Kleidung, Roben, Fransen und Bewegung. Die Vielseitigkeit, Designs und optische Übergänge sowohl bei einem Kamm von 22 epi als auch bei 10 epi mit genau denselben Techniken in beide Richtungen erstellen zu können. Das Gefühl der Ehrfurcht, wenn es vom Webstuhl geschnitten wird.

Glauben Sie, dass die Textilkunst die Anerkennung erhält, die sie verdient?

Ja und nein. Das ist wirklich eine komplexe Frage. Sowohl wirtschaftliche und geschlechtsspezifische Faktoren als auch Vorurteile in Sachen Größen spielen eine Rolle. Als traditionelle Tapisserie-Weberin ist meine Antwort natürlich nein, sie erhält nicht die Anerkennung, die sie verdient, aber oft sind es die Organisationen, die die traditionelle Tapisserie nicht unterstützen. Ich bin auch der ständigen Suche nach dem Einzigartigen und seinen kulturell imperialistischen Ursprüngen überdrüssig.

Als „eher traditionelle“ Tapisserieweberin bin ich nicht besonders glücklich darüber, dass es heute „moderne“ Tapisserien sein sollen. Diese entsprechen oft nicht mehr der traditionellen Definition von Tapisserie, die immer so reich an Erzählkraft war. Die Abkehr von der traditionellen Tapisserie zugunsten von Computerdesigns und allem, was man an die Wand hängen kann, um neue Weber anzulocken und damit die wirtschaftliche Existenz zu sichern, gefällt mir nicht. Ich finde, es sollte gleiche Wettbewerbsbedingungen geben, aber das ist in letzter Zeit oft nicht der Fall. Es ist keine Frage der Größe.

Ich denke, dass großformatige Wandteppiche viel mehr Anerkennung finden als kleinformatige Arbeiten und häufiger in Zeitschriften erwähnt werden. Großformatige Werke werden in der Regel besser aufgehängt und nicht im Saloon-Stil. Kleinformatige Werke werden oft nebeneinander/übereinander und nicht auf jeder Ebene oder an kleinen Orten ohne angemessenen Abstand gehängt. Es gibt oft keinen guten Unterricht für kleinformatige bzw. großformatige Werke mit all ihren Möglichkeiten für Details und Kreativität, auch wenn es sich meist um die gleiche Technik handelt.

Für mich hingegen geht es bei großformatigen Werken oft mehr um den Schock und die Ehrfurcht vor der Größe, wenn sie juriert werden, und manchmal fehlt aufgrund der Größe und der Wirtschaftlichkeit bei der Herstellung großformatiger Werke die Aussage.

Ich finde, dass großformatige Wandteppiche derzeit wirtschaftliche Probleme für diejenigen von uns verursachen, die die besten Wandteppiche auf der internationalen Bühne sehen wollen. Eine Szene, die sich schnell internationalisiert und deren Ausstellungen eher auf internationaler als nationaler Ebene stattfinden. Sowohl die Kosten als auch die Wirtschaftlichkeit der Produktion großformatiger Wandteppiche, obwohl doch kleinformatige Wandteppiche wirtschaftlicher wären, sind zu einem begrenzenden Faktor für das geworden, was wir in unseren jeweiligen Ländern sehen. Frage: Sehen wir tatsächlich die besten Wandteppiche oder wird die Größe zu einer wirtschaftlichen Barriere und Belastung? Und manchmal muss man näher herantreten und in einer Erzählung persönlicher werden. Aber es gibt auch Zeiten, in denen Wandteppiche ein wenig zu muralistisch sind.

In Regionen wie Nordamerika gibt es auch andere Finanzierungsmodelle für die Welt der Tapisserie, und müssen als Lehrer ohne staatliche Unterstützung auskommen.