Die gefalteten Arbeiten von Susan Maddux habe ich im Internet entdeckt. Ich bin sicher, Sie sind genauso fasziniert davon wie ich.

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Ihre Arbeit bewegt sich irgendwo zwischen Malerei, Skulptur, Textilkunst und Modedesign. Wollen Sie bewusst aus diesen traditionellen Kategorien ausbrechen, oder sehen Sie Ihre Kunst als eine völlig neue Bildsprache?

Ich nutze all das, was meinen Ideen dient. Ich habe meine Gemälde aus den Keilrahmen genommen und ein Jahr lang verschiedene Formen erforscht, die ein Gemälde annehmen kann.

Ich bin ausgebildete Malerin und habe viele Jahre als Designerin in New York gearbeitet. Bei meinen Experimenten habe ich die methodische Herangehensweise einer Designerin angewandt: Ich habe die Idee immer wieder neu betrachtet und sie aus verschiedenen Blickwinkeln beleuchtet. Eine der Motivationen dafür war meine Tätigkeit als Oberflächen- und Textildesignerin. Ich begann, meine Gemälde als Material zu betrachten: als etwas, mit dem man etwas schaffen kann.

Das Dasein zwischen verschiedenen Kategorien ist mir vertraut. Ich stamme aus Hawaii und habe Eltern mit unterschiedlichen Wurzeln. Ich bin Malerin und Designerin. Meine Arbeit umfasst Malerei und Skulptur. Ich fühle mich wohl dabei, zwischen klar abgegrenzten Definitionen zu existieren und in diesem Raum etwas Neues zu schaffen.

Das Falten spielt in Ihrem künstlerischen Schaffensprozess eine zentrale Rolle. Was bedeutet Ihnen der wiederholte Vorgang des Faltens von Leinwand, sowohl in physischer als auch in konzeptioneller Hinsicht?

Mich interessiert sehr die Vorstellung, dass eine einfache Handlung eine tiefgreifende Veränderung bewirken kann.

Für mich ist das Falten eine sanfte Manipulation, die tiefgreifende Auswirkungen hat.
Das Falten ist eine Metapher für Zeit und Erinnerung. Der sich wiederholende Vorgang ist eine Meditation und ein Akt der Verwandlung.

Ich arbeite an meinen Leinwänden, die flach auf dem Boden liegen. Schon früh fiel mir auf, dass sich der Vorgang – das Befeuchten großer Leinwandflächen mit Wasser, das Bewegen um sie herum, das Auftragen von Farbe durch Gießen und Pinseln sowie das Falten und Glätten nach dem Trocknen – so anfühlte, als würde ich sehr vertraute Gesten anwenden, die ich schon oft ausgeführt hatte und die auch unzählige Generationen von Menschen bei der Hausarbeit verwendet hatten.

Viele Ihrer Werke enthüllen und verbergen zugleich. Wie wichtig sind die Aspekte des Entdeckens und der Ungewissheit für die Art und Weise, wie die Betrachter Ihre Kunst erleben sollen?

Entdeckung und Neugierde spielen in meinem künstlerischen Schaffensprozess eine zentrale Rolle. Das sind die Dinge, die mich motivieren und dafür sorgen, dass sich meine Arbeit weiterentwickelt. In diesem Sinne sind das Geheimnisvolle und das Sich-Enthüllen ein integraler Bestandteil des Werks, auch wenn dies beim Betrachter auf einer unbewussten Ebene stattfindet.

Ihr japanisch-amerikanisches Erbe spielt in Ihrer künstlerischen Praxis eine wichtige Rolle. Inwiefern hat die Auseinandersetzung mit Ihrer kulturellen Identität die Formensprache beeinflusst, die Sie im Laufe der Jahre entwickelt haben?

Meine Ästhetik und Formensprache sind stark von meiner Kindheit in Hawaii geprägt.

Ich denke, meine Beziehung zu meinem kulturellen Erbe hat zu tun mit Erinnerung, aber auch mit Vorstellungskraft und Fantasie.

Als ich aufwuchs, kam ich mit Kunsthandwerkern und Künstlern in Kontakt, die mit Ton, Holz, Stoff, Glas, Tinte, Blumen und Blättern arbeiteten. Es ist eine sehr lebendige kreative Atmosphäre, und die tiefe Verbundenheit mit dem Land, die viele Menschen in Hawaii empfinden, ist ein wesentlicher Bestandteil dieser Kreativität. Es ist, als sei das Schöpferische Teil des Respekts für die Fülle des Landes und ein Weg, diese Fülle zu ehren.

Mein Drang, verschiedene Materialien und Methoden zu erforschen, um neue Wege zum Ausdruck meiner Ideen zu finden, entspringt dieser Erziehung, in der mir keine Hierarchie zwischen Kunst, Handwerk und Design bewusst war und in der Menschen aus verschiedenen Kulturen nach Hawaii kamen und weiterhin Dinge schufen, die sie an ihre Herkunft erinnerten – und dies mit so viel Sehnsucht und Freude taten.

Da Sie Ihre Karriere als Textildesignerin begonnen haben: Inwiefern hat Ihr Verständnis für Stoffe, die Konstruktion von Kleidungsstücken und handwerkliches Können Ihre Herangehensweise an die zeitgenössische Kunst geprägt?

Ich habe Malerei studiert und mein ganzes Leben lang gemalt. Das Design von Oberflächen und Textilmustern war meine zweite berufliche Laufbahn als Designerin, und es hat mir viel darüber beigebracht, was innerhalb ganz bestimmter Grenzen möglich ist. Muster sind so wirkungsvoll, und ein großer Teil unserer Orientierung in der Welt hängt mit der Mustererkennung zusammen. Das Eintauchen in die Welt der Muster hat meine Denkweise verändert und es mir ermöglicht, einen Schritt zurückzutreten und meine Gemälde als Material zu betrachten. Es hat für mich gewissermaßen eine vierte Wand durchbrochen: die Kostbarkeit des Gemäldes, die Beziehung zur Kunstgeschichte, die jedes Gemälde hat – so viel Zeit und Energie fließt in die Schaffung eines Gemäldes. Es auseinanderzunehmen und in einer anderen Form wieder zusammenzusetzen, war sehr befreiend.

Die Pigmente scheinen in die rohe Leinwand einzufließen, bevor das Material in seine endgültige Form gefaltet wird. Inwieweit ist die endgültige Komposition sorgfältig geplant, und inwieweit wird sie durch das Verhalten des Materials selbst bestimmt?

Die interessantesten Kompositionen entstehen oft durch die Kombination von Elementen, die ich bewusst geschaffen habe, mit etwas Unerwartetem. Ich werfe nichts weg, daher habe ich einen Vorrat an Gemälden, mit denen ich experimentieren kann, und schließlich finden sie alle ihren Platz. Einer meiner liebsten kreativen Prozesse ist es, verschiedene Kombinationen aus ausrangierten Gemälden auszuprobieren. Ich kann mich stundenlang darin verlieren, und in meinem Kopf geschieht etwas, wenn ich Dinge physisch verschieben und Verbindungen herstellen kann, die zu unerwarteten Ergebnissen führen, die sich jenseits all dessen anfühlen, was ich planen könnte.

Sie beschreiben Ihre künstlerische Praxis als eine Suche nach dem Wesentlichen. Was überrascht Sie oder fordert Sie nach Jahren der Verfeinerung Ihres Schaffensprozesses immer noch jedes Mal heraus, wenn Sie ein neues Werk beginnen?

Wie jeder gute Schaffensprozess im Atelier stellt auch meiner mich jeden Tag aufs Neue vor Herausforderungen. Ich schmiede viele Pläne, die jedoch oft mit den Eigenschaften der Materialien kollidieren. Ein Teil meiner Herausforderung besteht in der Kontrolle, und ich werde immer wieder daran erinnert, wie wenig ich in meinem Schaffensprozess tatsächlich kontrollieren kann. Farbe verändert sich beim Trocknen, rohe Baumwollleinwand schrumpft unterschiedlich stark, und manchmal lässt sich das, was auf dem Papier gut aussieht, nicht auf skulpturale Dimensionen übertragen. Das fertige Werk muss bis zu einem gewissen Grad erst entdeckt werden, und selbst bei bester Planung ergeben sich Gelegenheiten, über meine ursprüngliche Idee hinauszugehen. Um diesen Prozess zu durchlaufen, sind viel Vertrauen und Geduld erforderlich. Ich betrachte meinen Schaffensprozess mittlerweile als ein Ökosystem, das darauf ausgelegt ist, genau jene psychologischen Probleme anzugehen, mit denen ich im Alltag zu kämpfen habe.

Wo sehen Sie sich und Ihre Kunst in zehn Jahren?

Ich sehe, dass ich meine Auseinandersetzung mit Materialien fortsetzen werde und dass sich daraus Antworten auf die Frage ergeben, die ich mir immer wieder stelle: Welche Formen kann ein Gemälde annehmen?

Ich sehe, dass ich vermehrt reisen und Kunst schaffen werde, die von unterschiedlichen Umgebungen beeinflusst ist.

Ich möchte meine künstlerische Praxis ausbauen, um freier und in größerem Maßstab arbeiten zu können – mit Unterstützung im Atelier und dem dafür notwendigen Raum.

Ich schätze Neugierde mehr als Gewissheit, und ich glaube, dass sich diese Einstellung im Laufe der Zeit weiterentwickeln und immer stärker in meiner Arbeit widerspiegeln wird.

Auf Susan Maddux Website  https://susanmadduxstudio.com kann man sehen, wie sie ihre Leinwände bemalt und faltet.