Die Arbeiten von Gloria Campriani habe ich im Internet entdeckt und war sehr beeindruckt. Ich habe die Künstlerin um ein Interview gebeten.

Here you can read the interview in English.

Qui potete leggere l’intervista in italiano.

Woher kommen Sie, und wie hat die Textilwerkstatt Ihrer Familie Ihre Kunst beeinflusst?

Ich wurde in Certaldo, Italien, geboren, wo die Textilwerkstatt meiner Familie war: Spulen, Stränge und Nähmaschinen bilden den Hintergrund, aus dem meine Art, „Kunst zu schaffen“, hervorgeht. Meine Vertrautheit mit textilen Materialien hat meine Ausdruckskraft stets unterstützt und meine Beziehung zum Garn von Anfang an geprägt. Ich gehe mit dem Garn mit einer im Laufe der Zeit gereiften Sicherheit um, die mich manchmal dazu verleitet, es bis zur Zerstörung zu quälen, um ihm seine intime und lebendige Essenz in größtem Maße zu entlocken. Die symbolische Sprache des Garns ist für mich eine ständige Quelle der Forschung und ein Werkzeug, um Gedanken Gestalt zu verleihen. In meiner Arbeit wird das Garn oft zu einem Weg der Verbindung und der gegenseitigen Beeinflussung.

Sie haben mit großen Modemarken zusammengearbeitet – wie hat dies Ihre frühe Ausbildung geprägt?

Ich habe jahrelang in Unternehmen gearbeitet, die mit großen internationalen Modemarken zusammen arbeiteten, und meine ersten Lehrer waren die Designer, denen ich auf diesem beruflichen Weg begegnete.

Warum haben Sie Garn als Ihr wichtigstes Ausdrucksmedium gewählt?

Nachdem ich viele Möglichkeiten ausgelotet hatte, erkannte ich im Garn – dank seiner Fähigkeit, jedes Mal auf meine Bedürfnisse einzugehen – das Medium, das für meine Ausdrucksformen am besten geeignet ist.

Sie verzichten auf technische Hilfsmittel und festgelegte Strukturen: Warum ist Ihnen das wichtig?

Ich verzichte auf technische Instrumente und vorgegebene Schemata: Garne verflechten sich ohne Webstühle, Formen entwickeln sich ohne Zwänge, in einem ständigen Werden, das den Fluss der Realität widerspiegelt. Ich vermeide alles, was eine direkte Beziehung zur Welt behindern könnte.

Wie verbinden Sie Geschichte, Natur, Raum und Menschen in Ihrer Kunst?

Mein Körper mit all seinen Sinnen ist stets das zentrale Element: Ich nehme visuelle und emotionale Reize auf und verwandle sie sowohl in der intimen Dimension der Recherche als auch in der öffentlichen Dimension der Performance, was es mir ermöglicht, Geschichte und Natur, Räume und Menschen – auch im wörtlichen Sinne – auf stets unvorhersehbare Weise zu verweben.

Wie verwerten und transformieren Sie Ihre Werke im Laufe der Zeit?

Die aus diesem Prozess entstehenden Werke werden oft überarbeitet, neu verknüpft und wiederverwendet, um neuen Anforderungen gerecht zu werden. Ich folge der Philosophie der regenerativen Wirtschaft: Ich recycle, repariere und verwende das Gewebe wieder und hauche ihm so neues Leben ein.

Warum ist die Performance für Ihre Arbeit unverzichtbar, und was erlebt das Publikum?

Meine Arbeit ist vergänglich, insbesondere in der Performance: Sie lebt im Moment und wird durch die direkte Interaktion mit dem Publikum und dem Raum genährt. Es ist eine gemeinsam geschaffene Erfahrung in der Gegenwart. Ich untersuche menschliches Verhalten als Wechselwirkung zwischen mentalen Zuständen und unmittelbaren sozialen Situationen durch ständiges Experimentieren, das sich in meinen Performances manifestiert.

Wie nutzen Sie Video und Fotografie, um Ihre Werke zu erweitern?

Oft bleiben nur Videos oder Fotografien als Zeugnis zurück, und sie werden zu eigenständigen Werken.

Warum sind Weben und Ausbessern in Ihrem Werk Metaphern für den Wiederaufbau?

Garne, Gewebe, Kette, Netz und Webstuhl sind existenzielle Paradigmen, zentrale Bilder in Mythen und Märchen; auch heute noch wird die Sprache des Webens und Ausbesserns verwendet, um Prozesse des Wiederaufbaus zu beschreiben. Für mich sind sie symbolische Werkzeuge, um Gedanken Gestalt zu verleihen.

Welche Rolle spielen Sprachwissenschaft, Pädagogik, Theater und Anatomie in Ihrer Kunst?

Meine Ausbildung umfasst das Studium der Sprachen mit Auslandsaufenthalten, Pädagogik, Theater und Kunst, mit Kursen an verschiedenen Akademien, darunter Anatomie an der Accademia di Belle Arti in Florenz. Diese Elemente haben meine Sensibilität und meine Art, den Körper und Beziehungen zu beobachten, erweitert.

Wie bleiben Sie mit gesellschaftlichen Veränderungen und neuen Kommunikationsformen in Verbindung?

Mit Blick auf gesellschaftliche Veränderungen und neue Ausdrucksformen habe ich 2018 einen Kurs in Sozialanthropologie an der Universität Siena besucht, um meine Forschung weiter zu vertiefen. Ich beteilige mich an kulturellen Initiativen, die Entwicklungen in Schulen, Gesundheitseinrichtungen, Vereinen und Genossenschaften fördern und dabei vier Bereiche miteinander verbinden: Kunst, Pädagogik, Soziales und Bildung. Ich arbeite an Projekten mit, die Interaktionen zwischen Kultur, Institutionen, Unternehmen und der Wirtschaft schaffen, mit dem Ziel der gemeinsamen Entwicklung, ohne dass die Kunst – mein Hauptfachgebiet – sich verzerrt oder etwas anderes ersetzen muss.

Können Sie uns etwas über Ihre Zusammenarbeit mit Kritikern, Kuratoren oder Forschern erzählen?

Ich habe stets mit Künstlern und Forschern zusammengearbeitet und mich dabei dem kontinuierlichen Experimentieren verschrieben. Die Zusammenarbeit mit Kritikern, künstlerischen Leitern und Kuratoren hat zu Einzel- und Gruppenausstellungen in institutionellen Gebäuden, Universitäten, Museen, bei Kunstveranstaltungen, in Galerien und auf Messen sowohl in Italien als auch im Ausland geführt.

Die Website von Gloria Campriani ist: https://www.gloriacampriani.com