Die Frau, die in einer Webarbeit in die Schussfäden fällt, hat es mir angetan. Melissa English Campbell nennt sie „Cabbage Head“. Ich wollte wissen, wie die Arbeit zustande gekommen ist und habe die Künstlerin interviewt.

You can download the interview in its original English version here.

Wo sind Sie aufgewachsen und wo leben Sie heute?

Ich bin in San Francisco geboren, aber bis ich von zu Hause auszog, hatte ich an etwa zwanzig verschiedenen Orten gelebt. Meine Eltern zogen uns auf, während sie zwischen Kommunen, religiösen Gemeinschaften und alternativen nomadischen Lebensweisen hin- und herzogen. Wir lebten in abgelegenen Wäldern von Tennessee, in ganz Nordkalifornien – darunter Marin County, Mill Valley und Sausalito –, in den Niederlanden, sowohl in Amsterdam als auch in einem kleinen Dorf auf dem Land, sowie in Großbritannien, Paris und den französischen Alpen. Als ich noch sehr klein war, lebten meine Eltern auch auf einer Insel in Griechenland, wo wir in einer Höhle wohnten. Kein Ort fühlt sich ganz wie mein Zuhause an, obwohl ich mich am stärksten mit der Topografie Nordkaliforniens identifiziere. Ich liebe Landschaften, die das Meer, die Berge und den sanft dahingleitenden Nebel vereinen. Derzeit lebe ich im Nordosten von Ohio, wo es hauptsächlich Bäume und Seen gibt. Das erinnert mich oft an Holland, weil es keine Berge gibt und sich die Wolken bewegen und das Licht den ganzen Tag über wechselt.

Haben Sie eine künstlerische Ausbildung?

Ich habe einen Bachelor of Science in Umweltdesign und einen Master of Fine Arts in Studio Art. Ich war schon immer kreativ und mit meinen Händen beschäftigt; das Schaffen hat mir geholfen, angesichts von Unsicherheiten geerdet und bei Verstand zu bleiben.

Ihre Arbeit verbindet Malerei und Weberei. Wie beeinflusst das Weben Ihre Herangehensweise an die Malerei und umgekehrt?

Als Masterstudentin habe ich ein Webprogramm besucht, aber ursprünglich habe ich mich in erster Linie als Malerin gesehen. Anfangs hat mich die Regelmäßigkeit und Verlässlichkeit des Webens gereizt – die Art und Weise, wie mehrere etablierte Systeme in einem zusammenhängenden Rhythmus zusammenwirken. Das hat etwas sehr Grundlegendes und Fokussierendes. Gleichzeitig begann ich das Weben als einschränkend zu empfinden, was die Art des Ausdrucks betraf, die ich erforschen wollte. Als ich erkannte, dass ich die Malerei in den Prozess einbringen konnte, war ich davon besessen, ein System zu entwickeln, das für mich funktionieren würde. Wenn ich heute im Atelier Glück habe, entsteht in meinen Arbeiten eine Sprache zwischen der Regelmäßigkeit des Webens und der Fluidität der Malerei. Am glücklichsten bin ich, wenn in einem Werk eine Spannung zwischen Zufall, Struktur und Störung existieren kann – eine Erfahrung, die sich viel mehr mit meiner gelebten Realität deckt.

Welche Materialien verwenden Sie für Ihre Webarbeiten?

Ich arbeite hauptsächlich mit Naturfasern, insbesondere Baumwolle, aber auch Leinen und Tencel. Die Farbe stammt aus einem Farbstoff auf Acrylbasis. Manchmal verwende ich Acrylfarben, Gouache oder Tinten und füge Additive hinzu, damit sie sich mit den Naturfasern verbinden. Diese Materialien haben eine stärkende Wirkung auf die Garne, daher muss ich auf das gewünschte Ergebnis jedes einzelnen Stücks achten. Wenn ich möchte, dass die Garne locker und geschmeidig bleiben, bleibe ich bei Farbstoffen; wenn Steifheit akzeptabel oder erwünscht ist, verwende ich Acrylfarben und Tinten großzügiger.

Sehen Sie Malerei und Weberei als rivalisierende Systeme oder als sich ergänzende Prozesse?

Ich sehe sie als zwei völlig getrennte Universen. Wenn sie miteinander in Dialog treten, scheinen die Möglichkeiten für Einsichten und gegenseitige Zerstörung endlos zu sein. Da sie aus so unterschiedlichen Materialien stammen …

Ich liebe Ihre Serie „Integrating“. Können Sie mir mehr darüber erzählen?

Diese Serie entstand aus meinem anhaltenden Wunsch heraus, mich mit Störungen auseinanderzusetzen. Ich suchte nach einer Möglichkeit, Anpassung angesichts von Störungen auszudrücken, und begann mir die Webarbeiten so vorzustellen, als wäre ein Fremdkörper vom Himmel gefallen und hätte sowohl den Weber als auch den Webstuhl gezwungen, sich an das Eindringen anzupassen.

Ihre Serie „Figures“ ist besonders spannend. Wie haben Sie die fallende Frau geschaffen?

Ich sehe ein enormes Potenzial für Garn, Emotionen auszudrücken und gelebte Erfahrungen darzustellen. Ich wusste, dass ich eine Möglichkeit entwickeln musste, lange Fäden im Gewebe zu belassen, damit das Material selbst frei sein konnte, um gleichzeitig Auflösung und Potenzial zu vermitteln.

Gibt es zeitgenössische Künstler oder Traditionen, die Ihrer Meinung nach eine Verwandtschaft mit Ihrer Methode der Verschmelzung von Malerei und Weberei aufweisen?

Künstler wie Bridget Riley, Louise Bourgeois, Yoko Ono, Ruth Asawa, Kiki Smith und Ann Hamilton haben mich alle auf unterschiedliche Weise beeinflusst. Vor allem durch die Intelligenz, den Mut und die Hartnäckigkeit ihrer Arbeit.

Ich fühle mich mehreren künstlerischen Traditionen verbunden, die an der Schnittstelle zwischen Intuition und konzeptueller Forschung arbeiten; emotional geleitet vom Impressionismus, konzeptionell vom Surrealismus und materiell von der Praktikabilität eines Handwerkers.

Wo sehen Sie Ihre Kunst in den nächsten fünf Jahren?

Konzeptionell hat sich meine Praxis in Richtung der Erfahrung des Lebens als Einwanderer oder Außenseiter in der Gesellschaft verschoben. Ich fühle mich besonders zum Konzept des Spiegelns hingezogen – einer Überlebensstrategie, die oft von jungen Einwanderern angewendet wird –, das ich durch Doppelwebverfahren untersuche, die aus einem einzigen Gemälde abgeleitet sind. Das Doppelgewebe teilt das Bild in zwei Teile, sodass das Gemälde an zwei Orten gleichzeitig als Spiegelbild seiner selbst existieren kann.

Derzeit suche ich nach Möglichkeiten, eine Installation noch mehr so zu gestalten, dass man das Gefühl hat, darin einzutauchen. Ich habe gerade eine Ausstellung mit Werken eingerichtet, die in der Mitte eines Raumes hängen und mit den Luftströmungen interagieren, die durch die sich durch den Raum bewegenden Betrachter entstehen. Es gibt Pläne, weitere Panels für die Interaktion zu erstellen.

Ich habe eine Ausstellung in Vorbereitung, die ausschließlich Porträts zeigen wird, aber ich suche nach Möglichkeiten, auf größere Formate zu expandieren.

Die Arbeiten mit integrierten Holzstücken können nur in den Sommermonaten hergestellt werden, wenn ich die Äste im Freien reinigen und schleifen kann. Derzeit trocknen mehrere Äste in meiner Garage, und ich kann es kaum erwarten, mit ihnen zu arbeiten. Diese Werke werden sich weiterhin mit den Themen Anpassung und Integration befassen.

Ich interessiere mich auch weiterhin sehr für unterbrochene Muster als Mittel zur Untersuchung von Wachstum und Auflösung.

Die Website von Melissa English Campbell finden Sie hier:
https://www.melissaenglishcampbell.com/