An einem sonnigen Tag im März bot die oberste Etage des Centre Pompidou einen großartigen Blick über die Stadt, auf Eifelturm, die Kathedrale Notre Dame und Sacre Coeur.

Auf der Ebene 5 des Zentrums zeigt die Ausstellung Bridging Appearance Bezüge zwischen dem Werk eines Modeschöpfers und einem Kunstwerk oder einem Trend in der modernen und zeitgenössischen Kunst. Eine originelle Ausstellung oder eher eine Installation, die im gesamten oberen Stockwerk des Museums Kunstwerke und Modekreationen in einen Dialog bringt. Von Christian Dior bis Iris van Herpen, von Azzedine Alaïa bis Thebe Magugu und von Jean Paul Gaultier bis Issey Miyake, einschließlich Chanel und Charles de Vilmorin, feiert die Präsentation die starken Bezüge zwischen Mode und künstlerischem Schaffen, Modedesignern und Künstlern seit dem frühen 20. Jahrhundert.

Ich habe nur zwei Kunstwerke, zu denen die Kleider gestellt wurden, fotografiert, werde aber auf die angesprochene Kunstrichtung hinweisen.

Viktor&Rolf

Viktor Horsting, geboren 1969 in Geldrop (Niederlande)
Rolf Snoeren, geboren 1969 in Dongen (Niederlande).
Knielanges Kleid mit freien Schultern aus weißem Canvas, das mit einem Holzrahmen veredelt wurde (Wearable Art Haute Couture, Herbst/Winter 2015).

Seit der Gründung ihres Labels im Jahr 1993 haben Viktor&Rolf die Codes der Mode immer wieder auf den Kopf gestellt, zwischen konzeptuellen Inszenierungen und Parodien von Musicals. Sie betrachten die Mode von der Seite der Verzerrung, der Dekonstruktion und der Infragestellung im Namen eines „maximal minimalen“ Stils. Mit dieser Kollektion „tragbarer Kunst“ stellt das niederländische Duo die „plastischen“ Ansprüche und die Paradoxien einer Welt, die zwischen Lärm und Stille hin- und hergerissen ist, in Frage.

Charles de Vilmorin / Sonia Delauney

Ensemble „Robe à la française“ bestehend aus einer Oversize-Jacke mit asymmetrischen Schulterpolstern aus handbemaltem Taft in Acryl, Rock mit Bahnen aus handbemaltem Taft, Krinoline aus Rosshaar und Fischbein, Stiefel in Zusammenarbeit mit Francesco Russo aus handbemaltem Leder, Haute Couture Frühjahr/Sommer 2021.

Das Kleid von Charles de Vilmorin ist in der Mitte des Raumes platziert, in dem Gemälde von Sonia Delaunay und ihrem Mann Richard Delaunay hängen, ohne Bezug auf ein bestimmtes Gemälde.

Sonia Delaunays textiles Werk hätte, so meinen manche, ihre Malerei disqualifiziert. Der jüngste französische Modedesigner Charles de Vilmorin hat einen sehr künstlerischen Ansatz. Zwischen den Motiven des einen und den „geschlechtsneutralen, herkunftslosen“ Figuren der anderen erhöht die Farbe den Ton und setzt die Energie einer einzigartigen Vision frei, die keiner Schule zuzuordnen ist.

Iris van Herpen / Marc Chagall

Iris van Herpen, geboren 1984 in Wamel (Niederlande).
Galactic Glitch‘ Dress, Kleid aus transparentem Organza, gefärbt in einem Farbverlauf in himmelblauen Aqua-Mustern, die in einer CAD-Software dreidimensional modelliert und dann von Hand in hundert feine Wellen geschnitten wurden, die einzeln auf einen dehnbaren Tüll genäht wurden.

Unter ihren Organza-Flügeln erinnert diese „skulpturale, bebende Figur“, wie Iris van Herben sie beschreibt, an Marc Chagals Gemälde „Brautpaar mit Eiffelturm“.

Unter ihren Organzaflügeln ist diese „zitternde skulpturale Silhouette“, wie Iris van Herpen sie beschreibt, ein Echo auf Marc Chagalls Gemälde „Die Brautleute auf dem Eiffelturm“: ein Selbstporträt des Malers mit Bella, der Liebe seines Lebens, die zwischen den Erinnerungen an Russland schwebt.

Azzedine Alaïa, Marcel Breuer

Langes Kleid aus schwarzem Wolljersey, lange Ärmel, U-Boot-Kragen, Reißverschluss aus silbernem Metall, Azzedine Alaia Haute Couture 2003.

Azzedine Alaïa, das ist ein ganzes Leben, das der Arbeit am Schnitt gewidmet ist und die Zeit des Orients mit den Rhythmen des Okzidents verbindet, in einer anatomischen Neudefinition des Berufs des Couturiers. Er beobachtete, nahm instinktiv die Wünsche seiner Zeit auf und formte mit seinen eigenen Händen Kleider, die auf der Haut lagen. Für seine Herbst- und Winterkollektion 1981-1982 ließ er sich von dem Modell, das Arletty in Hôtel du Nord trug, zu einem Kleid mit spiralförmigem Reißverschluss inspirieren. Zwanzig Jahre später überarbeitet er dieses Modell mit dem gleichen Schwung.

Chanel / Christian Schad

Gabrielle Chanel (1883, Saumur – 1971, Paris)
Haute Couture, zwischen 1925 und 1930. Abendkleid aus Seidenspitze und Seidentaft.

„Hunderte von Männern in Frauenkleidern und Frauen in Männerkleidern tanzten unter den wohlwollenden Blicken der Polizei“: So beschreibt Stefan Zweig in „Die Welt von gestern“ die Atmosphäre der 1920er Jahre, die durch den Rhythmus des Jazz und aller Arten von Travestie elektrisiert wurden. In Berlin, der Hauptstadt der Künste und des Vergnügens, entfacht die Illusion von Frieden und Wohlstand die Nächte im Apollo Theater oder im Eldorado mit Smokings und Dessouskleidern. Wie aus dem Gemälde von Christian Schad, einem deutschen Schriftsteller, Maler und Dichter, der den ersten großen Dada-Ball organisierte, entflohen, scheint ein Kleid von Chanel, der Pionierin, diese Champagnernächte widerzuspiegeln…

Otto Dix (1891-1969) : Erinnerungen an die Spiegelsäle von Brüssel, 1920, Öl und Glasur auf Silbergrund auf Leinwand.

Marine Serre / Marcel Duchamp

Martine Serre, geboren 1991 in Brive-la-Gaillarde.
Awakened Icon, Marine Serre Show Frühjahr/Sommer 2021

Indem er eine Sprache erfand und den Blick auf den trivialen und banalen Gegenstand – Fahrrad, Rad, Pissoir, zwischen zwei Glasplatten schwebende Guss-Silhouetten – lenkte, initiierte Marcel Duchamp neue Beziehungen zwischen der Kunst und dem zum Kunstwerk verklärten Alltag. „Die Kollektion Amor Fati ist eine Einladung, alle Freuden und Widrigkeiten des Lebens konkret zu umarmen…, scheint ihm die junge französische Designerin Marine Serre in diesem experimentellen Readymade zu antworten, das ich ausgewählt habe, weil es im Dada-Modus Survivalismus und Recycling verbindet,“ sagt Laurence Benaïm, die Kuratorin der Ausstellung.

Marcel Duchamp, Fontaine, 1917/1964, faïence, peinture, Pissoir.

Jean-Paul Gaulthier / Wilhelm Freddie

Jean Paul Gaultier, geboren 1952 in Arcueil (Frankreich).
Korsett aus Metall und Spitze, das in ein Silberbad getaucht wird, Prêt à porter Herbst/Winter 1988-1989.

In der surrealistischen Vorstellungswelt wird die Anatomie auf die Probe gestellt. Dies gilt für den von Wilhem Freddie entblößten Körper einer Nonne ebenso wie für das Korsett „mit spitzen Titten wie Sahnetüten“, das Jean Paul Gaultier zu einem Emblem machte, indem er dieses Unterkleid in ein Oberkleid verwandelte. Ein Fetisch-Korsett, ein Talisman-Korsett, das sein einschränkendes Image verliert und sich als Machtwaffe etabliert. Ein solches Korsett trug Madonna auf ihrer „Blond Ambition“-Tour (1990) auf einem Herrenanzug.

Martin Margiela / Giorgio De Chirico

Martin Margiela, geboren 1957 in Leuven (Belgien).
Mit blondem Haar bedrucktes Kleid, Viskose-Satin, Maison Martin Margiela, Prêt à porter Herbst/Winter 2004-2005.
Handgefertigter Umhang“ aus 19 wiederverwerteten Filzhüten, Maison Martin Margiela, Prêt à porter Herbst/Winter 2004-2005.

Er hat seine eigene Identität aufgebaut, inkognito, wie sein namenloses, weißes Label: „Ich mag Kleidung, die ich nicht erfunden habe“, sagt er. Indem er die Etappen der Herstellung in den Vordergrund rückte (Schneiderbüste, unfertig, die in ein Bustier verwandelt wurde), indem er mit den Größen wie auch mit der Rückseite des Dekors spielte (Futter, wiederverwertete Kleidung), hat sich Martin Margiela als Vorreiter durchgesetzt, dessen handwerkliche Linie die Rückseite zur Vorderseite macht. Die Phantasie unterwirft sich der anatomischen Präzision, wie die „Schrift des Traums“, die der Dichter Ardengo Soffici in Bezug auf den Maler Giorgio de Chirico und seine clairs obscurs beschwor.

Issey Miyake / Hans Hartung

Issey Miyake (1938, Hiroshima – 2022, Tokio)
Mutants Pleats, plissiertes Polyester, Herbst/Winter-Kollektion 1989-1990.

Mit seinen federleichten Volumen, die aus technologischen Forschungen hervorgegangen sind, suggeriert Issey Miyake poetische Urformen. Die gesamte Erinnerung verdichtet sich, indem sie die Ängste eines siebenjährigen Kindes schwerelos festhält, als die Atombombe in Hiroshima explodiert. Eine von Spitzen gespickte Zeit, die in den schwarzen Schwimmhäuten von Hans Hartung widerhallt, der als Kind Blitze zeichnete. Zwei geflügelte Körper stehen nebeneinander und bieten der Welt ihre jeweiligen Wunden an.

Dior / Ellsworth Kelly

Christian Dior (1905, Granville – 1957, Montecatini)
„Bar“, Nachmittagsanzug, Jacke aus naturfarbenem Shantung, Korolleschwungrock aus plissierter Wolle, Haute-Couture Frühjahr-Sommer 1947, Linie Corolle.

Am 12. Februar 1947 stellte Christian Dior in der 30 Avenue Montaigne in Paris seine erste Kollektion vor. Neunzig Modelle mit schmaler, taillierter Taille und betonter Büste. Unter allen Modellen markiert der Schneider die „Rückkehr des Hübschen und des Anziehenden“, aber auch „ein Ideal zivilisierten Glücks“, so der Modeschöpfer. Bei Dior verdichtet sich die Haute Couture in einer Wissenschaft der Souveränität und des Volumens. Alles scheint diesen Künstlers der Linie mit dem minimalistischen amerikanischen Maler Ellsworth Kelly zu verbinden. Alles trennt den Couturier des Glücks und denjenigen, der 1951 Bilder ausstellte, die „nichts mehr beschreiben“.

Thebe Magugu / Ernst Ludwig Kirchner

Thebe Magugu, geboren 1993 in Kimberley, (Südafrika).
„Tswana Mother and Child dress“, Kleid aus recyceltem Polyesterkrepp mit Originalmustern, signiert von Phathu Nembilwi; Einzelstück, hergestellt 2023 aus der „Heritage Capsule“-Kollektion 2020.

Durch diesen mehrfarbigen und figurativen Austausch und im Abstand von mehr als einem Jahrhundert verherrlichen zwei Paletten die weibliche Haltung in ihren universellen Unterschieden. Die eine in Berlin, die andere in Johannesburg. Thebe Magugu ist der erste südafrikanische Preisträger des LVMH-Preises für junge Modedesigner im Jahr 2019. „Ich habe verstanden, dass die Dringlichkeit darin besteht, tief in sich selbst nach Licht, Hoffnung und Stärke zu suchen“, sagt er. Durch die Intensität seiner Farben teilt er mit dem expressionistischen Maler Ernst Ludwig Kirchner das Feuer der Erinnerungen, die intime Erforschung des weiblichen Körpers, sei es die Einsamkeit vor dem Spiegel oder die glorifizierte Mutterfigur.

Yves Saint-Laurent / Henri Matisse

Yves Saint Laurent (1936, Oran – 2008, Paris)
Abendgarderobe, Haute Couture, Herbst/Winter 1969, Prototyp, hergestellt im Atelier von Madame Esther. Kleid und Stola aus Crepe und Seidengeorgette von Abraham; gegossene Skulptur von Claude Lalanne aus vergoldetem galvanischem Kupfer.

„Das schönste Kleidungsstück einer Frau ist ihre Nacktheit“, versicherte Yves Saint Laurent, der darauf bedacht war, die Mode von allen Fesseln und Tabus zu befreien. 1969 setzte er den Dialog mit der Kunst fort, den er mit seinen ersten Bildkleidern (1965) begonnen hatte, indem er direkt im Atelier seiner Freundin, der Bildhauerin Claude Lalanne, arbeitete. Diese fertigte Abgüsse des Körpers des Models Verushka an. Der Modeschöpfer führt ein fiktives Gespräch mit Henri Matisse, einem seiner Lieblingsmaler, über das Thema Bewegung und Freiheit: eine Lektion in Reinheit, die nicht versucht, das Leben zu imitieren, sondern das Motiv um das Licht herum modelliert.

Comme des Garçons / Francis Picabia.

Comme des Garçons [Rei Kawakubo, geb. 1942, Tokio (Japan)].
Ensemble aus der Kollektion Paysage d’Ombres, Technik 100% Baumwolle. Herbst-Winter 2021-2022.

„Inmitten der unaufhörlichen Überflutung mit verschiedenen Dingen, der Flut von Farben, der Flut von Geräuschen und der Flut von Informationen … musste ich in der monochromen Gelassenheit atmen“, versichert Rei Kawakubo über diese Kollektion. Das Schwarz, das sie zu ihrem Aushängeschild gemacht hat, wird zum Material für alle millimetergenauen Ausdehnungen. Indem sie mit neuen Volumen experimentiert, spielt sie mit allen Stereotypen, bis hin zum Übermaß. Das Modell mit seinem aufgeplusterten XL-Ensemble scheint Francis Picabias Udnie entsprungen zu sein, der Trance einer Tänzerin, deren Silhouette zwischen abstrakten Formen herumwirbelt.

Lanvin / Martial Raysse

Lanvin – Alber Elbaz (1961, Casablanca – 2021, Paris)
Ärmelloses, gerades Kleid aus bedruckter Seide mit antik-weißer Büste, Passage 13, Frühjahr/Sommer 2013.

„Versuchen, mit dem Körper zu arbeiten, nicht gegen ihn“, so lautet der Wunsch von Alber Elbaz, der von 2001 bis 2015 künstlerischer Leiter von Lanvin war. Ob es sich um seine drapierten Kleider, seine Jacken mit offenen Kanten oder seine Seidenkleider mit industriellem Reißverschluss handelt, die Obsession ist dieselbe: nicht eine Frau, sondern alle Frauen, Mütter, Ehefrauen, Schwestern, in einer erneuten Hommage an ihre Haltungen zu feiern. Hier mit dem Körper einer Göttin zu spielen, indem man ihn in einem Trompe-l’oeil-Druck zur Schau stellt. Diese Dekonstruktion der knitterfreien Weiblichkeit, der Suche nach der perfekten und neu gemachten Anatomie ist ein Echo auf die Kompositionen von Martial Raysse und seine Kritik an der Konsumgesellschaft ein halbes Jahrhundert zuvor.

Centre Georges Pompidou
Place Georges Pompidou 4e – Paris, France 75004
Öffnungszeiten: täglich 11 bis 21 Uhr
https://www.centrepompidou.fr/en/