Die italienische Textilkünstlerin begeistert mich durch ihre sparsame gestickte Linienführung und die vielen Deatils, die sich entdecken lassen. Im Interview beschreibt sie ihren Werdegang und ihre Motivationen.

Qui potete leggere l’intervista nell’originale in italiano.

Here you can read the English version of the interview.

Wo sind Sie aufgewachsen, und wo leben Sie heute?

Ich wurde in Modena in der Emilia-Romagna geboren und bin zwischen Umbrien und der Toskana aufgewachsen. Ich habe in Florenz studiert, wo ich meine künstlerische Ausbildung absolviert habe. Heute lebe und arbeite ich in Sansepolcro, einer kleinen toskanischen Stadt an der Grenze zu Umbrien, die als Geburtsort von Piero della Francesca, einem der bedeutendsten Maler der Renaissance, bekannt ist. Hier betreibe ich meine künstlerische Forschung und unterrichte Zeichnen und Kunstgeschichte an einem naturwissenschaftlich ausgerichteten Gymnasium.

Haben Sie eine künstlerische Ausbildung?

Ja, ich habe an der Akademie der Bildenden Künste in Florenz studiert, wo ich 1997 meinen Abschluss gemacht habe. Meine akademische Ausbildung lag vor allem im Bereich der Malerei, hat sich jedoch im Laufe der Jahre durch eine kontinuierliche persönliche Praxis und meine Auseinandersetzung mit verschiedenen Ausdrucksformen und Materialien erweitert.

Wie kam es dazu, dass Sie von der expressionistischen Malerei dazu übergingen, die Stickerei zum zentralen Element Ihrer Arbeit zu machen?

Der Übergang erfolgte nicht plötzlich. Im Jahr 2007, als meine Arbeit noch in einem expressionistischen Malansatz verwurzelt war, lernte ich Rosalba Pepi kennen, eine Meisterin der Stickkunst, die in meinen Gemälden etwas erkannte, das über die Malerei selbst hinausgehen konnte. Sie nahm mich auf und führte mich in die Sprache des Fadens ein, wobei sie mir die ersten Schritte der Stickerei beibrachte. Ich entschied mich, von ihr zu lernen, weil ich sofort ein tiefes Vertrauen zu ihr verspürte, und nach und nach begann ich, die Themen meiner Arbeit ausschließlich mit Nadel und Faden zu erforschen. Im Jahr 2008 schuf ich meine ersten Stickarbeiten, die in der Serie „Mend of Me“ zusammengefasst sind und sich mit weiblicher Identität, Wiederaufbau und Wiedergeburt auseinandersetzen. Von diesem Moment an entwickelte sich die Stickerei nach und nach zur zentralen Ausdrucksform meiner künstlerischen Arbeit.

Was symbolisiert die Stickerei für Sie in Ihrer Auseinandersetzung mit dem Weiblichen und der Identität?

Für mich verkörpert die Stickerei das Weibliche – nicht als eine Eigenschaft, die ausschließlich Frauen eigen ist, sondern als eine Art des Erkennens, die eher in der Verbundenheit als in der Trennung, eher in der Verletzlichkeit als in der Dominanz und eher in der verkörperten Erfahrung als in einem abstrakten und distanzierten Blick verwurzelt ist.

Sticken bedeutet, den Körper in eine präzise Beziehung zu Materie und Zeit zu bringen. Jeder Stich ist eine Entscheidung, ein Durchqueren und eine Verbindung. Selbst wenn der Gedanke bereits vor Beginn der Geste festgelegt ist, entwickelt er sich weiter, während die Hand arbeitet. Langsamkeit und Wiederholung eröffnen einen Raum des Zuhörens, in dem Form entstehen kann, ohne vollständig vorhersehbar zu sein.

Der Faden verbindet entfernte Punkte, hinterlässt aber auch Knoten, Spannungen und verborgene Wege. Aus diesem Grund ist Identität in meiner Arbeit niemals etwas in sich Geschlossenes, Kompaktes oder Endgültiges, sondern ein Geflecht aus Beziehungen, Erinnerung, Abwesenheiten und Möglichkeiten. Jeder Faden gehört zu einem größeren Ganzen, und jede Geste, wie klein sie auch sein mag, verändert die Gesamtform. In diesem Sinne birgt der Faden die Möglichkeit des Geschehens.

Warum betrachten Sie die Stickerei als eine Form des Widerstands und der Transformation?

Ich betrachte die Stickerei als eine Form des Widerstands, da sie eine langsame, beharrliche und unproduktive Form der Zeit in eine Gesellschaft einführt, die Geschwindigkeit, Effizienz und sofortige Ergebnisse fordert. Es handelt sich um einen stillen Widerstand, der durch Achtsamkeit und Wiederholung zum Ausdruck kommt. Zudem bringe ich eine Sprache in den Raum der zeitgenössischen Kunst ein, die lange Zeit auf den häuslichen Bereich beschränkt und als untergeordnet behandelt wurde, und bekräftige stattdessen ihre Fähigkeit, Gedanken und Wissen zu generieren.

Sticken ist zudem eine Form der Transformation, denn um eine Form zu schaffen, muss die Nadel zunächst die Oberfläche durchdringen und öffnen. Der Faden löscht die Wunde nicht aus; er nimmt sie in sich auf und macht sie zu einem Teil einer neuen Konfiguration. Ausbessern bedeutet daher nicht, das wiederherzustellen, was zuvor existierte. Seine Aufgabe besteht darin, Fragmente zusammenzuhalten, ohne ihre Brüche zu verbergen, und aus ihnen eine neue Möglichkeit zu schaffen.

Ihre Figuren halten oft eine Nadel in der Hand. Was bedeutet diese Geste für Sie?

Diese weiblichen Figuren stammen aus einer frühen Phase meiner Arbeit, die fast zwanzig Jahre zurückliegt. Die Nadel, die sie in der Hand hielten, war ein Werkzeug der Bewusstwerdung und Selbstbestimmung. Durch sie schienen die Figuren in der Lage zu sein, auf ihre eigene Gestalt einzuwirken, Fragmente ihrer Existenz zu flicken und die Grenzen ihrer Identität neu zu definieren. Die Nadel barg eine doppelte Möglichkeit: Sie konnte verwunden und zugleich das wieder vereinen, was getrennt worden war. Sie stand somit für die Verantwortung, am Aufbau der eigenen Identität mitzuwirken, ohne deren Brüche zu verbergen.

Heute ist diese Art der Darstellung von Identität zwar nicht mehr direkt Teil meiner künstlerischen Praxis, doch sie war ein notwendiger Schritt auf dem Weg zu meiner aktuellen Forschung. Was sich damals in erster Linie mit der Rekonstruktion des Selbst befasste, öffnete sich nach und nach hin zu einer Beziehung zur Welt und zu den drängenden historischen, politischen und ökologischen Fragen unserer Zeit. In meiner Forschung beschäftige ich mich nun mit der Frage, wie das Weibliche durch das Zuhören, das Warten, das Entstehen und das Erkennen von Zyklen wieder eine Verbindung zu den Strukturen der Natur und des Kosmos herstellen kann.

Es ist ein Versuch, etwas Weibliches wieder ans Licht zu bringen, das lange Zeit aus der Geschichte ausgelöscht und der Logik von Macht und Herrschaft untergeordnet wurde – derselben Logik, die den Menschen von der Natur getrennt hat. Aus diesem Grund beobachte ich die Natur und den Kosmos sowie die Arbeit der Wissenschaftlerinnen, die uns geholfen haben, diese zu verstehen, und decke dabei die tiefgreifenden Beziehungen auf, die die verschiedenen Strukturen der Realität miteinander verbinden. Die Nadel befindet sich nicht mehr in den Händen meiner Figuren, doch die Geste des Flickens bleibt bestehen. Sie zielt darauf ab, das wieder zu vereinen, was das vorherrschende Denken getrennt hat: den Körper vom Wissen, den Menschen von der Natur und die irdische Welt von der himmlischen.

Was verraten leere Räume und Präsenzformen in Ihren Werken über das Sichtbare und das Unsichtbare?

Die Leere ist eine konkrete Präsenz, da sie durch die Schnitte und Öffnungen in der Leinwand entsteht, die die Figuren einmal umgeben und einmal scheinbar durch ihre Körper hindurchgehen. Ich betrachte diese Öffnungen als Atemzüge: Räume, in denen die Form unterbrochen wird und unendliche Möglichkeiten – Formen der Wiedergeburt – entstehen können.

Ich stellte sie mir ähnlich vor wie das von der Quantenphysik beschriebene Vakuum: ein Feld, das vor Energie und möglichen schöpferischen Ereignissen nur so wimmelt. Ebenso sind meine Figuren, die von diesen Leerstellen durchzogen sind, keine geschlossenen und getrennten Körper, sondern durchlässige Präsenzformen in einer ständigen Beziehung zu allem, was sie umgibt. Das Sichtbare steht nicht im Gegensatz zum Unsichtbaren; es entspringt diesem und birgt in sich alles, was unausgesprochen bleibt.

Wo sehen Sie sich und Ihre Kunst in etwa zehn Jahren?

In zehn Jahren hoffe ich, dass ich mich noch immer selbst überraschen kann. Ich weiß nicht, ob die Stickerei meine zentrale Ausdrucksform bleibet oder andere Formen annehmen wird, aber ich möchte das bewahren, was sie mich gelehrt hat, damit ich weiterhin über Beziehung, Langsamkeit, Zuhören und Warten nachdenken kann.

Anstatt mir ein Endziel vorzustellen, hoffe ich, dass sich die Frage, die meine Arbeit heute leitet, weiter ausdehnt: Wie kann meine Arbeit dazu beitragen, einen Raum wieder zu eröffnen, in dem man der Beziehung zwischen Menschen, Natur und Kosmos lauschen kann?