In Claire Passmores Arbeit Out of the Funk, die ich in einer der Galerien der SAQA gefunden habe, habe ich mich auf Anhieb verliebt. Ich wollte mehr über die Künstlerin wissen, die auf Mauritius lebt.
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Wo sind Sie aufgewachsen und wo leben Sie heute?
Ich bin in Cardiff geboren und aufgewachsen, der Hauptstadt von Wales, dem kleinsten der drei Länder, aus denen Großbritannien besteht. Dort habe ich auch mein Lehramtsstudium absolviert und bin mit 23 Jahren nach meiner Heirat nach England gezogen. Danach bin ich viel umgezogen und habe in Polen, Südafrika, Frankreich und Neuseeland gelebt und gearbeitet. Jetzt lebe ich auf der warmen und freundlichen Insel Mauritius, wo ich mein bisher schönstes Atelier eingerichtet habe.
Wie beeinflusst das Leben auf Mauritius Ihre Kunst?
Mauritius ist ein wunderbarer Ort für Künstler. Das Licht hier ist spektakulär, und dank des Klimas kann ich ein Atelier im Innen- und Außenbereich nutzen, das mir viel Platz, frische Luft und warme, sonnige Tage bietet. Hier kann ich gar nicht anders, als gute Laune zu haben! Mein lichtdurchflutetes Atelier öffnet sich zu einem tropischen Garten, in dem alles schnell wächst und viel größer ist, als ich es gewohnt bin. Er ist voller bunter Blumen, wunderschöner Blätter und aller Arten von Wildtieren. Ich finde diesen ruhigen Ort sehr inspirierend. Mein neuester Kunstquilt wurde von den bunten und passend benannten Ornate Day Geckos inspiriert, die im Garten leben und abwechselnd Insekten fangen und Nektar aus den Blumen trinken.
Die Herausforderung, auf einer kleinen Insel zu leben, die Tausende Kilometer von allem entfernt ist, besteht darin, dass es nicht so einfach ist, Werkzeuge und Materialien zu beschaffen. Natürlich können die meisten Dinge importiert werden, aber das dauert oft lange und kann unerschwinglich teuer sein. Um dieses Problem zu lösen, decke ich mich auf Reisen mit meinen Lieblingsmaterialien ein, und meine Familie und Freunde sind immer so freundlich, mir Materialien mitzubringen, wenn meine Vorräte zur Neige gehen. Diese Knappheit hat jedoch auch ihre guten Seiten. Ich achte jetzt noch mehr darauf, wie ich die kostbaren Ressourcen, die ich habe, verwende, und ich bin äußerst vorsichtig, um sicherzustellen, dass ich jeden Tropfen Farbe und jeden Quadratzentimeter Stoff, den ich verwende, optimal nutze. Außerdem hat es mir die Möglichkeit gegeben, neue und andere Materialien zu entdecken und zu beschaffen, von denen ich einige vielleicht nie gefunden hätte, wenn ich nicht hierher gezogen wäre. Als ich zum Beispiel in der geschäftigen Hauptstadt Port Louis einkaufen war, entdeckte ich einen winzigen Stoffladen, der bis unter die Decke mit Stoffen aller Art vollgestopft war. In einer dunklen und staubigen Ecke fand ich eine längst vergessene Stoffrolle, die, wie sich herausstellte, aus den Fasern der Pseudostämme* von Bananenstauden hergestellt war und Silk Noil** sehr ähnlich ist. Ich kaufte die ganze Rolle, nahm sie mit nach Hause und verwendete sie für meinen allerersten Quilt, den ich hier hergestellt habe: „Banyan Hideaway”. Der Quilt wurde von einem riesigen Banyanbaum inspiriert, der in der Nähe meines Zuhauses stand. Er wurde in der Herbstausgabe 2023 des Art Quilt Studio Magazine vorgestellt. Außerdem wurde er im Caudan Art Centre in Port Louis, Mauritius, im Rahmen des Samaudra Art Prize 2024 ausgestellt.
* Eine Bananenstaude hat einen Pseudostamm, der nicht aus Holz, sondern aus fest ineinander gewickelten, saftigen Blattbasen besteht.
** Silk Noil ist ein Stoff, der aus den kurzen Fasern der Seidenkokons hergestellt wird, wodurch er eine raue, matte und leicht unebene Textur erhält.
Was ist Ihr Hintergrund im Bereich Textilien?
Vor 20 Jahren habe ich mich aus dem Schuldienst zurückgezogen und bin mit meinem Mann nach Südafrika gezogen. Dort begann für mich ein neues Kapitel in meinem Leben, in dem ich meine Interessen in eine neue Richtung entwickeln und mich ganz meiner Tätigkeit als Textilkünstlerin widmen konnte. Mein „zweiter Frühling” begann, als meine Nachbarin, die ebenfalls neu in diesem Land war, mich in die traditionelle Patchworkkunst einführte. Gemeinsam erkundeten wir unsere neue Stadt, schlossen neue Freundschaften, besorgten Materialien und machten uns daran, große Bettdecken zu nähen. Durch das sorgfältige Auswählen, Ausmessen, Zuschneiden und Nähen von Hunderten von Metern Stoff lernte ich Geduld und akribische Genauigkeit, aber nach etwa einem Jahr frustrierte mich die Monotonie und ich begann, andere Techniken auszuprobieren, was zur Entstehung meiner ersten Serie von Kunstquilts führte, die auf meinen Erfahrungen in Südafrika basierten.
Einige Jahre später kehrte ich nach Großbritannien zurück, wo ich eine erstaunliche internationale Organisation namens Studio Art Quilt Associates (SAQA) entdeckte. Ich reichte einen der Quilts, „Forced Removal“, bei einer ihrer globalen Ausstellungen ein. Ich war überglücklich, als der Quilt in die Ausstellung aufgenommen und am Eröffnungsabend verkauft wurde. Von diesem Zeitpunkt an konzentrierte ich mich darauf, mich stärker in der Organisation zu engagieren, und nach einigen Jahren wurde ich Vorsitzende des Ausstellungskomitees, Mitglied des Vorstands, jurierte mehrere Ausstellungen und war Mentorin für andere Mitglieder. Ich kann ehrlich sagen, dass die Mitgliedschaft bei SAQA eine entscheidende Rolle auf meinem Weg als Künstlerin gespielt hat.
In meinem Atelier konzentriere ich mich nun ausschließlich auf die Herstellung von Kunstquilts für Ausstellungen, wie beispielsweise meinen Wandquilt „Anchored“, der gerade in der Biennale-Ausstellung „Interpretations 2025“ in der Visions Art Gallery in San Diego, USA, gezeigt wird.
Was reizt Sie an Textilkunst als Kunstform?
Textilien bieten eine große Vielfalt hinsichtlich ihrer Materialität und sind fast überall um uns herum zu finden. Wenn ich täglich verschiedene Textilien sehe, möchte ich sie sofort anfassen und in den Händen halten, ihr Gewicht, ihre Beschaffenheit und Struktur spüren und beobachten, wie sie sich in meinen Händen anfühlen, falten und drehen lassen. Kühle und fließende, steife oder sogar kratzige Texturen – diese Empfindungen und Beobachtungen beflügeln meine Fantasie und lassen mich darüber nachdenken, was man noch alles daraus machen könnte. Nach diesen ersten Begegnungen macht es mir Spaß, Möglichkeiten zu erkunden, wie ich mit Textilien etwas Neues schaffen kann. Viele lassen sich leicht schneiden und nähen, aber man kann noch so viel mehr damit machen, und das beschäftigt mich die meiste Zeit. Ich mag es, Stoffe zu zerknittern, zu plissieren und zu falten, sie aufzutrennen und neu zu verarbeiten, um ansprechende Volumen zu schaffen, die für sich allein stehen oder zu Gruppen, Stapeln oder Netzwerken verbunden werden können.
Eine Reihe von Wandbehängen und freistehenden Arbeiten, die ich aus gefalteten Pyramiden hergestellt habe, ist ein Beispiel dafür. Ich nenne hier die Quilts: „Storm“, jetzt in der ständigen Sammlung des International Quilt Museum in Paducah, und „Metamorphosis“, der Teil der gemeinsamen globalen Ausstellung von SAQA/National Basketry Organisation ist, die im Januar 2026 im Lauren Rogers Museum of Art in Mississippi, USA, eröffnet wird. Außerdem kleinere freistehende 3D-Stücke wie „Stellar Rubrum“, „Gentiana“ und andere.
Ihre Leidenschaft gilt der Förderung der Wertschätzung für Textilkunst. Ist es noch ein langer Weg bis dahin?
Mit der Zeit stelle ich fest, dass Textilkunst immer häufiger wahrgenommen und geschätzt wird und sich von ihrer historischen Einordnung als „Handwerk” oder „Frauenarbeit” löst. Es wird auch immer üblicher, dass bedeutende Museen und Galerien wie die Tate Modern, die National Gallery of Art und das Museum of Modern Art (MoMA) große Ausstellungen veranstalten, die Textil- und Faser-Künstlern wie Anni Albers und Sheila Hicks gewidmet sind. Dies signalisiert ein ernsthaftes akademisches und kuratorisches Interesse und scheint erfreulicherweise zu einer erhöhten Aufmerksamkeit von Kunstsammlern und akademischen Institutionen wie der Johns Hopkins University zu führen. Eines meiner Werke, „Hot Stuff”, wurde in mehreren wissenschaftlichen Zeitschriften vorgestellt (Ausgaben in Science and Technology, Herbst 2024 / EOS-Magazin, Januar 2024) / Johns Hopkins Magazine, Winter 2023). Diese breitere kulturelle Neubewertung der Kunsthierarchien vollzieht sich noch langsam, aber sie findet statt.
Welche Techniken verwenden Sie in Ihren Werken?
Wie bereits erwähnt, sind Falten und Nähen zwei der wichtigsten Grundtechniken für die meisten meiner Arbeiten, die aus meinem lebenslangen Interesse an Patchwork und Origami entstanden sind. Ich verwende Stiche zum Verbinden und zur Dekoration, sowohl von Hand als auch mit der Nähmaschine, um wichtige Elemente des Oberflächendesigns hinzuzufügen, zusammen mit verschiedenen Färbe- und Maltechniken. Viele Jahre lang habe ich diese Techniken auch unterrichtet, was mir geholfen hat, meine eigenen Fähigkeiten zu verfeinern, und mein Interesse am Erforschen und Experimentieren geweckt hat, damit ich neue Ideen weitergeben konnte.
Das Färben, Beizen, Bedrucken und Bemalen von Stoffen macht mir besonders viel Spaß, und ich habe viele verschiedene Methoden perfektioniert, um Stoffen lebendige Farben zu verleihen. Zwei besonders persönliche Kunstquilts, die ich vor einigen Jahren angefertigt habe, verwenden Farben, um die Gefühle und Bedeutungen zu vermitteln, die ich zu Ehren verstorbener Familienmitglieder ausdrücken wollte. (Quilts: „Light, Life, Love“ – ausgewählt für die 8. Europäische Triennale in Heidelberg, Deutschland, 2021, und „In Loving Memory“)
Wie entsteht ein Werk?
Als ich vor etwa 15 Jahren begann, flache Wandquilts herzustellen, fertigte ich zunächst schöne Skizzenbücher an, in denen ich Ideen sammelte, zeichnete, malte, Collagen anfertigte und alle Muster aufbewahrte, die ich während meiner Arbeit erstellt hatte. Wenn ich mir die Bücher anschaue, die ich aufbewahrt habe, wirken einige davon wie kleine Kunstwerke für sich, obwohl es nie meine Absicht war, sie so zu betrachten. Als ich mich allmählich der Arbeit mit zusätzlichen Dimensionen zuwandte, verwandelten sich diese Skizzenbücher eher in Arbeitsbücher, voller Notizen, Berechnungen und einer Fülle von Worten und Ideen. Es gibt einige grobe Zeichnungen, aber sie sind nicht mehr schön, sondern eher mit Anmerkungen versehene funktionale Skizzen, die mich an etwas erinnern, das ich ausprobieren oder weiter erforschen möchte.
Sobald ich eine starke Idee oder ein Konzept habe, das ich erforschen möchte, beginne ich mit der Anfertigung kleiner Muster und Probestücke, um mögliche Formen und Ideen zu testen und mir ein Bild davon zu machen, wie das Werk aussehen könnte. Ich bin völlig unfähig, mir Bilder in meinem Kopf vorzustellen, was, wie ich kürzlich herausgefunden habe, als „Aphantasie” bezeichnet wird. Daher ist die Schaffung eines realen Objekts, an dem ich arbeiten kann, ein sehr wichtiger Schritt in der Entwicklung all meiner Werke. Von diesem Punkt an ist mein kreativer Prozess eher eine Entdeckungsreise als ein vorab visualisiertes Ergebnis. Zu diesem Zweck bewahre ich einige der vielversprechenderen experimentellen Komponenten, die ich herstelle, in einer großen Kiste auf, in der Hoffnung, dass sie irgendwann bei der Schaffung zukünftiger Werke nützlich sein könnten.
Wie würden Sie Ihre Arbeit beschreiben?
Die flachen, an der Wand hängenden Textilstücke, die ich noch gelegentlich herstelle, bezeichne ich immer als Kunstquilts. Ich habe immer noch Freude daran, sie herzustellen, besonders wenn ich mich von meinem wunderschönen Garten inspirieren lasse. Die eher dreidimensionalen Wand-, Decken- oder freistehenden Stücke, die ich herstelle, bezeichne ich in erster Linie als Soft Sculptures, obwohl ich sie auch immer noch als Kunstquilts bezeichne, da sie immer aus geschichteten und genähten Textilien hergestellt werden. „Out of the Funk” (ausgestellt am Pittsburgh International Airport), „Hot Stuff” (Teil einer Zusammenarbeit zwischen SAQA und Johns Hopkins University Press Wavelengths, ausgestellt in mehreren Universitätsmuseen in den USA und in mehreren wissenschaftlichen Zeitschriften veröffentlicht) und „AI, Tell Me My Fortune” (Eröffnung einer Ausstellung im Jahr 2026 im Louisiana State University Museum of Art, USA) sind Beispiele für meine derzeit ausgestellten Soft Sculpture-Kunstquilts.
Auf Ihrer Website listen Sie eine Vielzahl beruflicher Aktivitäten auf, darunter Jurymitglied, verschiedene Funktionen für SAQA, Dozentin und Tutorin, Autorin, Kuratorin … Sie haben auch an vielen Orten ausgestellt …
Darf ich Sie fragen: Können Sie von Ihrer Kunst und Ihren Aktivitäten leben, wie es vielleicht ein bekannter Maler könnte?
Haha! Gute Frage! Bislang kenne ich nicht viele Künstler, die, wie Sie vermuten, erfolgreich ausschließlich von ihrer Textilkunst leben können, aber ich fühle mich sehr geehrt, dass viele meiner Kunstwerke in renommierten Galerien, Museen und anderen spannenden Ausstellungsorten auf der ganzen Welt gezeigt werden. Ich habe mehrere Werke in privaten und musealen Dauerausstellungen, und es ist immer wunderbar, wenn ein Sammler oder eine Institution beschließt, eines meiner Werke für seine bzw. ihre Sammlung zu erwerben. Das trägt jedes Jahr zu meinem Einkommen bei. Außerdem erhalte ich kleine Honorare für das Verfassen von Artikeln für Zeitschriften und Magazine sowie Tantiemen aus Buchverkäufen und für Abbildungen meiner Werke, die in Büchern, Zeitschriften und anderen Publikationen erscheinen. Gelegentlich bekomme ich auch eine Aufwandsentschädigung für meine Tätigkeit als Jurymitglied oder Kuratorin. So gerne ich auch sagen würde, dass ich meinen Lebensunterhalt als Vollzeitkünstlerin verdienen kann, ist dies bisher noch nicht der Fall! Heutzutage ist der Versand von Kunstwerken an Veranstaltungsorte extrem teuer und durch Änderungen bei der Besteuerung von Waren, die über internationale Grenzen transportiert werden, noch komplizierter geworden. Ich bin jedoch froh, sagen zu können, dass ich in den meisten Jahren meine Kosten decken kann.
Die mit Abstand beste Möglichkeit, mit meiner Kunst Geld zu verdienen, habe ich entdeckt, als ich noch unterrichtete, und ich habe meine Zeit als Lehrerin für Patchwork und Textilkunst sehr genossen. Allerdings ist das sehr anstrengend, und um gut zu unterrichten, habe ich festgestellt, dass ich immer mehr Zeit und Energie in den Unterricht investierte und immer weniger Zeit für mich selbst und meine eigene Kunst hatte. Ich vermisse zwar den Austausch mit Gleichgesinnten und die Reisen zu weit entfernten interessanten Orten wie China, um dort zu unterrichten, aber jetzt, wo ich mich in mein Atelier zurückgezogen habe, fühle ich mich inspirierter denn je!
Auf Claire Passmores Website https://www.clairepassmore.com/videos.html sind immer wieder kurze Videos zu sehen, die ihre Arbeiten von allen Seite und im Detail zeigen.
Alle Fotos sind von Claire Passmore mit Ausnahme des Fotos der Arbeit Hot Stuff, das von Jonathan Sachs im New England Quilt Museum aufgenommen wurde.