Auf der Website https://nordictextileart.net habe ich die estnische Künstlerin Tatjana-Aleksandra Aljautdinova entdeckt. Ihre gewebten Arbeiten gfielen mir ausnehmend gut. Was ich dann auf ihrer Website entdeckt habe, zeigte mir, dass die Künstlerin auch ganz andere Projekte verfolgt. Sie hat mir davon erzählt.

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Wo sind Sie aufgewachsen und wo leben Sie heute?

Ich bin in Estland aufgewachsen und lebe immer noch hier, in Tallinn.

Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund?

Sechs Jahre lang habe ich hauptsächlich im Bereich der Werbefotografie gearbeitet und diese auch unterrichtet. Vor etwa anderthalb Jahren wurde mir jedoch klar, dass mir das nicht mehr ausreichte. Ich schuf ständig das, was andere von mir erwarteten. Während ich gleichzeitig ein wachsendes Bedürfnis verspürte, mich künstlerisch auszudrücken und Themen anzusprechen, die mir wichtig waren und von vielen Menschen geteilt wurden. Ich erkannte, dass ich über Dinge sprechen wollte, die von Bedeutung sind, und das war der Beginn meiner Laufbahn als bildende Künstlerin.

Ich habe mein Studium am Institut für Bildende Kunst abgeschlossen und mehrere Projekte entwickelt, die in verschiedenen Ländern sowie von der UNESCO anerkannt wurden. Heute baue ich meine Praxis als bildende Künstlerin, die mit Mixed Media arbeitet, weiter aus. Einen detaillierteren Überblick über meinen Hintergrund finden Sie in meinem Lebenslauf.

Sie kombinieren Fotografie mit Stickerei und natürlichen Materialien. Was reizt Sie genau daran und wie ergänzt sie sich beides bei der Vermittlung von Erinnerungen und Emotionen? Sie arbeiten ausschließlich mit natürlichen Materialien. Woher beziehen Sie diese, und welche Bedeutung hat für Sie die Authentizität der Materialien für die Gestaltung?

Die Fotografie ist meine primäre Bildsprache und die Grundlage, auf der ich Erinnerungen und innere Erfahrungen erforsche. Mit der Zeit wurde mir klar, dass ein einzelnes Bild die Vielschichtigkeit von Emotionen oder die subtilen Prozesse, die in persönlichen und kollektiven Erinnerungen eingebettet sind, nicht vollständig vermitteln kann. Durch die Integration von Textilien und natürlichen Materialien füge ich zusätzliche Bedeutungsebenen hinzu, die durch Fotografie allein nicht ausgedrückt werden können. Diese zusätzlichen Elemente fungieren als „Worte zwischen den Zeilen“, die das verdeutlichen oder offenbaren, was innerhalb des Bildausschnitts unsichtbar bleibt.

Jedes Material hat seine eigene Bedeutung und wird bewusst in das Werk integriert. Textilien ermöglichen es mir, über Zerbrechlichkeit, Reparatur und die Spuren zu sprechen, die in einem Menschen zurückbleiben. Natürliche Materialien führen Themen wie Zeit, Kontinuität und Authentizität ein. Ich wähle sie gerade deshalb aus, weil sie ihre eigene Herkunft und Geschichte haben; ihre Texturen und inhärenten Eigenschaften bringen ein Maß an Ehrlichkeit mit sich, das für meine Arbeit unerlässlich ist. Nichts wird zur Dekoration hinzugefügt. Jedes Element erweitert die Erzählung des Bildes oder bringt einen neuen Kontext in das Werk ein.

Auf diese Weise bildet das Foto die strukturelle Grundlage der visuellen Aussage, während die textilen und natürlichen Komponenten Raum für eine tiefere Interpretation schaffen und es dem Betrachter ermöglichen, die emotionalen und konzeptuellen Ebenen zu erfassen, die mit einem einzigen Medium nicht vermittelt werden können.

Könnten Sie uns Ihren Prozess vom Konzept bis zum fertigen Werk erläutern, einschließlich aller Rituale oder Entscheidungen, die Sie in den wichtigsten Phasen treffen (Recherche, Materialbeschaffung, Komposition, Stickerei, endgültige Präsentation)?

Mein Prozess beginnt mit einem Bild. Ich kann dessen Ursprung selten erklären, da die meisten meiner Projekte aus plötzlichen inneren Visionen oder Eindrücken entstehen. Im Laufe meines Lebens habe ich komplexe und prägende Erfahrungen gemacht, die in meinem Alter zu einer erhöhten Sensibilität für Themen wie Erinnerung, Verbundenheit und innere Zustände geführt haben. Aus diesem Grund kann fast alles ein neues Projekt auslösen: ein Lied im Radio, ein Spaziergang im Wald, ein beiläufiger Satz in einem Café. Ideen kommen so häufig, dass ich sie oft schneller dokumentiere, als ich sie umsetzen kann; sie bilden ein dichtes Feld um mich herum, aus dem ich nach und nach diejenigen auswähle, die bereit sind, zu Werken zu werden.

Sobald das erste Bild Gestalt annimmt, entsteht das Konzept in der Regel innerhalb weniger Stunden oder Tage. Anschließend schreibe ich das Projekt detailliert auf und definiere seine zentrale Idee, emotionale Ausrichtung und strukturelle Logik. Danach erstelle ich die Fotos, die als Grundlage für die Arbeit dienen werden.

Ich drucke die Bilder aus und fertige Skizzen an, um die Komposition zu entwickeln und zu verstehen, wie Textilien und natürliche Materialien mit dem Foto interagieren werden. Ich verwende selten digital gestaltete Entwürfe, sogenannte Mock-ups, da ich einen physischen Prozess bevorzuge: mit meinen Händen arbeiten, Textur, Maßstab und Materialverhalten im realen Raum beurteilen.

Nach der Vorbereitungsphase führe ich bei Bedarf Materialtests durch und gehe dann zum eigentlichen Schaffensprozess über: Sticken, Einarbeiten natürlicher Elemente und Finden der präzisen konzeptionellen Balance zwischen allen Komponenten. Die letzte Phase umfasst die Dokumentation, Präsentation und Zusammenstellung des Projekts zu einer kohärenten Serie.

Wie erreichen Sie die Balance zwischen der Einfachheit der Form und der inneren Tiefe, die Sie vermitteln möchten?

Ich strebe nach einer Form, die nicht vom Erlebnis selbst ablenkt. Wenn ein Bild überladen ist, nimmt der Betrachter die Technik wahr, verliert aber die Bedeutung aus den Augen. Deshalb reduziere ich die Komposition auf das Wesentliche und arbeite mit der Präzision jeder einzelnen Geste. Die Tiefe in meinen Projekten entsteht durch Materialien, Erinnerungen, Pausen und die „Worte zwischen den Zeilen“. Je zurückhaltender die äußere Form, desto deutlicher ist die innere Ebene zu spüren.

Ich fühle mich auch zu Körperbildern hingezogen, in denen das Individuum nicht identifizierbar ist. Ich vermeide bewusst porträtspezifische Details, damit sich der Betrachter in das Werk hineinversetzen und die Situation als seine eigene empfinden kann, anstatt eine bestimmte Person zu beobachten. Durch diesen Grad an Abstraktion vermittelt das Bild eher einen Zustand als einen Charakter.

Obwohl mir die Ästhetik meiner Bildsprache wichtig ist, steht sie nie im Vordergrund. Am wichtigsten ist die emotionale Reaktion. Der Betrachter mag mir zustimmen oder sich widersetzen, aber wichtig ist, dass das Werk ihn nicht gleichgültig lässt.

Wie entscheiden Sie, welche natürlichen Materialien Sie in ein Werk einfließen lassen, und wie beeinflussen diese über ihre Ästhetik hinaus die Erzählung?

In den meisten Fällen ist die Wahl der natürlichen Materialien keine vorab geplante Entscheidung, sondern eine Reaktion auf das, was die Natur selbst bietet. Das Material erreicht mich, bevor ich bewusst darüber nachdenke. Wie ich bereits erwähnt habe, können Ideen durch viele verschiedene Situationen ausgelöst werden. Als ich zum Beispiel einmal in meinem Garten spazieren ging und über persönliche Erinnerungen nachdachte, berührte ich versehentlich ein Spinnennetz. Für viele wäre das unbedeutend, aber für mich wurde es sofort zu einer Metapher: Die Erinnerungen, denen wir ausweichen wollen, umgeben uns immer noch, klammern sich an uns und halten uns fest – wie ein unsichtbarer Käfig. Dieser Moment führte zu einem Projekt, bei dem Fotografie mit natürlichen Elementen kombiniert wird.

In einem anderen Projekt untersuche ich das Thema der weiblichen Abstammungslinie anhand der Verflechtung von Pflanzenwurzeln, wobei die Struktur des Materials selbst den Rhythmus und die Bedeutung prägt. Manchmal erscheint das Material sogar noch vor dem Konzept – wie beispielsweise die Idee, mit Eierschalen zu arbeiten, die sich derzeit in der Testphase befindet. Die Textur natürlicher Materialien lenkt oft mein Denken und hilft mir, ein Thema zu finden, das mit meiner persönlichen Erfahrung verbunden ist.

Textilbasierte Projekte nehmen in meiner Praxis einen ebenso wichtigen Platz ein. Derzeit arbeite ich an der Serie „The Loudest Silence“ – einem Triptychon über die Begegnung mit sich selbst in Momenten der Einsamkeit und Stille. In diesen Bildern gibt es keine äußeren Handlungen: nur den Körper, das Licht und den Raum, der den inneren Dialog verstärkt. Ich nähe Wollfäden auf die Fotografien; ihre Rauheit wird zu einer Metapher für die Spannung, die sich unter der Oberfläche der Ruhe verbirgt.

So dienen Materialien – ob natürlich oder textil – niemals einem dekorativen Zweck. Sie prägen die Erzählung, definieren die Metapher und helfen, die emotionalen und konzeptuellen Ebenen der Arbeit zu offenbaren. Ich folge einfach der Richtung, die die Materialien selbst vorgeben.

Bitte erzählen Sie uns etwas über Ihre Wandteppiche „Soul of Nature“. Was hat Sie dazu motiviert?

Die Serie „Soul of Nature“ entstand aus dem Wunsch heraus, die Natur nicht als Landschaft darzustellen, sondern als Lebensraum, in dem der Mensch Spuren hinterlässt und gleichzeitig von seiner Umgebung geprägt wird. Jedes Werk beginnt mit einer Reise zu einem bestimmten Ort – einem Wald, einer Küste, einem Moor oder einer Felslandschaft. Ich fotografiere den Ort und erweitere das Bild dann mit Materialien, die ich dort finde: Moos, trockene Äste, Rindenstücke, Steine. So behält das Werk nicht nur das visuelle Erscheinungsbild des Ortes bei, sondern auch die Unmittelbarkeit des physischen Kontakts mit ihm.

Fäden und Textilien spielen in der Serie eine zentrale Rolle. Etwa achtzig Prozent des verwendeten Garns stammen aus Spenden: Reste aus Heimwerkerprojekten, Garn aus Secondhand-Läden und ausrangierte Materialien aus einer alten Nähfabrik. Was von vielen als Abfall betrachtet wurde, wurde zur Grundlage meines künstlerischen Ausdrucks. Die Arbeit mit diesen wiederverwendeten Materialien ermöglichte es mir, Themen wie Aufmerksamkeit, Verantwortung und die Spuren, die Menschen bewusst oder unbewusst hinterlassen, anzusprechen.

Das letzte Werk der Serie entstand auf einer Mülldeponie. Dieser Ort wurde zum konzeptionellen Abschluss des Projekts: Während die früheren Werke organische Spuren der Natur einfangen, spiegelt das letzte Werk menschliche Spuren wider, die bereits Teil der Landschaft geworden sind. Ich war beeindruckt davon, wie natürlich sich Abfall in die Umgebung integriert und eine neue Textur des Ortes bildet. Ich habe bewusst vor Ort gefundene Elemente verwendet, um zu betonen, dass das, was wir hinterlassen, in der Natur verbleibt und allmählich Teil ihrer Struktur wird.

„Soul of Nature“ untersucht, wie eine Landschaft alles, was in ihr erscheint, aufnimmt und zu einem Teil ihrer Identität macht. Mein Ziel war es, die Natur nicht als Kulisse zu zeigen, sondern als komplexes Ökosystem mit Erinnerung, Geschichte und der Fähigkeit, unsere Präsenz zu transformieren.

Auf Ihrer Website habe ich Ihr Projekt „Web of Memory“ gefunden. Ihre Worte „Erinnerungen, zu denen wir nicht zurückkehren wollen – doch sie kehren von selbst zurück. Im Kern liegt die Idee der Erinnerung als Falle: Sie hält uns fest, zieht uns an und zwingt uns, das bereits Vergangene erneut zu erleben“ haben mich berührt. Bitte erzählen Sie uns mehr über dieses Projekt.

Die Idee zu „Web of Memory“ entstand in einem ganz gewöhnlichen Moment – als ich durch meinen Garten ging, stolperte ich versehentlich in ein Spinnennetz. Dieses einfache Gefühl wurde zu einer klaren Metapher dafür, wie Erinnerung funktioniert: Sie haftet an uns, gerade wenn wir es am wenigsten erwarten.

Wir alle tragen Erinnerungen mit uns herum, zu denen wir nicht zurückkehren möchten. Beziehungen, die längst beendet sind. Worte, die bereits verblasst sind. Szenen, die vielleicht nie wirklich stattgefunden haben. Erinnerung ist kein Archiv, sondern ein Netz. Sie kehrt nicht als Tatsache zurück, sondern als Bild, als Geruch, als körperliche Reaktion. „Web of Memory“ handelt von den Erinnerungen, die an uns haften bleiben. Nicht von vergangenen Ereignissen an sich, sondern davon, wie gelebte Erfahrungen immer wieder an die Oberfläche kommen und uns prägen.

Ich arbeite mit echten Spinnennetzen. Sie können nicht zweimal auf ein Foto übertragen werden: Sie reißen, verschwinden, verändern ihre Form. Diese Zerbrechlichkeit spiegelt wider, wie sich Erinnerungen verändern, wenn wir wieder an etwas etwas Bestimmtes denken. Ich vergolde das Netz nicht aus Gründen der Schönheit – der Glanz täuscht. Eine Falle kann glitzern und dennoch klebrig bleiben.

Die Porträts in dieser Serie sind keine Darstellungen von Menschen. Es sind emotionale Spuren – Silhouetten von etwas, das nicht mehr zurückkehren sollte, es aber dennoch tut.
P.S. Ich hoffe, die Spinnen verzeihen mir diesen kleinen künstlerischen Schabernack.

Ihr Projekt „Not from Somewhere Else” befasst sich mit dem Thema Identität im Baltikum. Sie kombinieren Fotografie mit Stickerei und natürlichen Materialien. Was reizt Sie an diesen besonderen Medien und wie ergänzen sie sich gegenseitig bei der Vermittlung von Erinnerung und Emotionen? Wie kommt der Ort – Ihre estnischen Wurzeln, Ihre aktuelle Umgebung oder bestimmte Orte – in Ihren Bildern und Materialien zum Ausdruck?

In „Not from Somewhere Else“ erforsche ich Identität durch die Kombination von Fotografie und Stickerei, weil diese es mir ermöglichen, die Gegenwart mit dem kulturellen Gedächtnis zu verbinden. Die Fotografie hält eine Person im Hier und Jetzt fest, während die Stickerei das kulturelle Erbe einbringt und zeigt, wie verschiedene kulturelle Codes in einem Individuum koexistieren.

Das Projekt begann, nachdem ich meine eigene Abstammung recherchiert hatte: Ein DNA-Test ergab, dass ich halb Estin und halb Deutsche bin, obwohl meine Muttersprache Russisch ist. Diese Erfahrung half mir, Fragen der Zugehörigkeit aus einer anderen Perspektive zu betrachten – etwas, das in der baltischen Region besonders sichtbar ist, aber weit darüber hinaus universell gilt.

Der Ort spielt in der Serie eine wichtige Rolle. Ich arbeite mit Menschen, die zwischen verschiedenen Kulturen aufgewachsen sind, und wähle Orte, die den baltischen Kontext widerspiegeln – das Meer, Wälder und städtische Räume. Diese Umgebungen prägen die Bildsprache des Projekts und betonen, dass Identität immer vielschichtig und mit der Landschaft, in der wir leben, verflochten ist.

Gibt es Themen oder Experimente, die Sie in Zukunft gerne weiterverfolgen möchten, oder neue Methoden, die Sie in Ihre Arbeit integrieren möchten?

Derzeit arbeite ich an der Fertigstellung eines Mixed-Media-Projekts mit dem Titel „The Loudest Silence“, in dem ich Fotografie mit Wandteppichen kombiniere, und parallel dazu entwickle ich mehrere neue Serien. Darunter befindet sich ein Mixed-Media-Projekt mit Pflanzenwurzeln, das der weiblichen Abstammungslinie gewidmet ist, sowie eine Serie auf strukturiertem Papier aus Recyclingpapier und Eierschalen, die sich mit Kindern befasst, die von ihren Eltern getrennt wurden. Außerdem arbeite ich an „Me Too, I’m Allowed“, in dem ich durch Fotografie und Stickerei die inneren Verbote erforsche, die wir aus unserer Kindheit mit ins Erwachsenenleben nehmen. Eine weitere Richtung ist „When Feelings Had Colours“, das ich gemeinsam mit meinen Kindern entwickelt habe und in dem wir untersuchen, wie sich Emotionen durch Farbe und Material offenbaren. Diese Projekte ermöglichen es mir, meine Bildsprache zu erweitern und mit neuen Texturen zu experimentieren, während ich gleichzeitig in meinen primären Medien – Fotografie, Textilien und natürlichen Elementen – verwurzelt bleibe.

Die Website der Künstlerin ist https://www.photoata.com/