Rachel Drake und ihre Arbeiten habe ich auf einer Seite mit schottischen Textilkünstlerinnen gefunden (EDGE). Ihre Arbeiten und ihre Vielseitigkeit haben mich sehr beeindruckt und ich habe sie um ein Interview gebeten.

You can read the original interview here.

Wo sind Sie aufgewachsen und wo leben Sie jetzt?

Ich wurde im Süden Englands geboren, verbrachte meine Kindheit aber in Suffolk in East Anglia. Im Alter von 18 Jahren zog ich nach Glasgow, um an der Glasgow School of Art zu studieren, und seitdem lebe ich in Schottland. Ich betrachte mich jetzt eher als Schottin denn als Engländerin, da ich hier schon viel länger lebe als in England und meine Kinder hier aufgewachsen sind.

Was oder wer waren Ihre frühen Einflüsse und wie hat Ihre Erziehung Ihre Arbeit beeinflusst?

Ich würde sagen, dass meine Mutter den größten Einfluss auf mich hatte, denn sie war es, die mir im Alter von 5 Jahren das Sticken beibrachte. Meine Kindheit war idyllisch; wir lebten auf einem Bauernhof, ich hatte so viel Freiheit und wurde von meinen Eltern immer ermutigt, kreativ zu sein und meine Ideen zu verfolgen. Ich kann mich an keine Zeit erinnern, in der ich nicht entweder gezeichnet, gemalt, gestickt oder etwas gebastelt habe.

Haben Sie eine künstlerische oder textile Ausbildung?

Ja. Ich habe an der Glasgow School of Art gestickte und gewebte Textilien studiert und ein paar Jahre später an der Kunstschule in der Textilabteilung unterrichtet. Später in meiner Laufbahn habe ich ein PGDE (Postgraduate Diploma in Education) absolviert, das mich befähigt, Kunst an Sekundarschulen mit Schülern im Alter von 11-18 Jahren zu unterrichten.

Sie lieben es, verschiedene Kunstformen zu kombinieren. Bitte erzählen Sie uns mehr über die verwendeten Techniken.

Auch wenn meine erste Liebe den Textilien gilt, habe ich schon immer gezeichnet und gemalt. Das macht einen großen Teil meiner Arbeit aus, und einige Jahre lang habe ich die Textilien hinter mir gelassen und bin Porträtmalerin geworden. Ich finde es reizvoll, mich für zwei verschiedene Disziplinen zu interessieren, da ich von einer zur anderen wechseln kann. Manchmal konzentriere ich mich ganz auf Textilien, und dann werde ich gebeten, ein Porträt zu malen, und ich finde es toll, dass ich eine Pause von den Textilien mache und mich auf die Malerei konzentriere. Bei vielen meiner Arbeiten geht es jetzt darum, diese beiden Leidenschaften zu kombinieren.

Für meine Porträts verwende ich in der Regel Aquarellfarben, aber bei meinen Mischtechniken für Textilien bevorzuge ich Acrylfarben, da diese bei der Arbeit auf verschiedenen Oberflächen vielseitiger sind. Ich baue meine Arbeiten gerne in Schichten auf, indem ich verschiedene Papierkombinationen ausprobiere, um unterschiedliche Texturen zu erzeugen. Das Zerknüllen und Zerreißen von Papier ist eine Möglichkeit, Texturen hinzuzufügen, ebenso wie der Einsatz von Collagetechniken zum Aufbau einer Oberfläche. Ich neige dazu, mit verschiedenen Medien zu experimentieren, z. B. mit dem Schmelzen und Verbrennen von synthetischen Papieren wie Tyvek, der Verwendung von Lutradur und anderen Arten von Stoffen, die in Papier eingebettet sind. Für die Stickerei verwende ich oft freie Maschinenstickerei, die durch Handstickerei ergänzt wird. Es macht mir Spaß, mit verschiedenen Fadenarten zu experimentieren und meinen eigenen Faden zu kreieren, z. B. mit Streifen aus Plastiktüten und Draht, mit denen ich sticke. Ich denke, ich probiere immer wieder neue Ideen aus, und ein Großteil meiner Arbeit besteht aus Experimenten und dem, was ich aus Unerwartetem machen kann.

Wie arbeiten Sie? Können Sie die Entwicklung eines Werks von der Idee bis zum fertigen Kunstwerk beschreiben?

Ich würde sagen, ich arbeite überwiegend intuitiv. Ich plane nicht immer, was ich tun werde, sondern ich experimentiere und probiere Dinge aus, um zu sehen, wo das Werk am Ende landet. Normalerweise habe ich eine Vorstellung davon, was ich schaffen möchte, aber im Allgemeinen endet es nicht immer so, wie ich es mir zuerst vorgestellt habe. Ich nutze die Fotografie, um Ideen festzuhalten – ich habe mein Handy immer dabei, wenn ich spazieren gehe oder im Urlaub bin, damit ich alle Texturen oder Ansichten, die mich interessieren, festhalten kann. Ich skizziere gerne Ideen anhand von Fotos, aber ich gebe zu, dass ich oft direkt mit den Materialien arbeite und Muster anfertige, anstatt eine Idee zu entwickeln.

Kürzlich habe ich eine Arbeit mit dem Titel Winter Reflections fertiggestellt, bei der ich geplant, aber intuitiv gearbeitet habe. Ich habe bei einem Spaziergang an einem schottischen See einige Fotos gemacht, da ich die Spiegelungen der kahlen Äste im Wasser im Winter sehr mag. Ich wollte das Bild nicht einfach nachstellen, also habe ich in diesem Fall Procreate (eine Raster-Grafik-Editor-App für digitale Malerei) auf meinem iPad verwendet, um in das Foto zu zeichnen und einige Änderungen vorzunehmen, anstatt in einem Skizzenbuch zu arbeiten. Ich fand diese Arbeitsweise wirklich großartig, da ich auf diese Weise viel mehr Atmosphäre in das Foto bringen und Bereiche vereinfachen konnte. Ich denke, diese Technik werde ich in Zukunft öfter anwenden.

Nachdem ich die Idee und ein Bild von dem, was ich schaffen wollte, im Kopf hatte, war mein nächster Schritt, und für mich der angenehmste Teil des Schaffens, das Experimentieren mit Materialien und die Herstellung von vielen, vielen Probestücken. Die sind für mich so wichtig, und ich würde sagen, dass es kein einziges Werk gibt, das ich je vollendet habe, bei dem ich nicht vorher Probestücke hergestellt habe, um Ideen auszuprobieren, bevor ich mich auf ein größeres Werk festlege. Der Grund, warum das für mich so wichtig ist, ist, dass ich eine Idee ausprobiere, und während ich daran arbeite, löst diese Idee weitere Ideen aus, die ich dann erforschen möchte. Am Ende habe ich oft mindestens 10 bis 20 Probestücke für ein Werk. Bei Winter Reflections habe ich mehrere Stücke strukturiertes Papier mit Schichten aus Seidenpapier, Stoffstreifen und Tyvek hergestellt. Dann habe ich sie mit Acrylfarben und Tinte bearbeitet. Nachdem ich meinen Untergrund geschaffen hatte, probierte ich verschiedene Möglichkeiten aus, die Spiegelungen im Wasser zu interpretieren, und zwar sowohl mit freier Maschinenstickerei als auch mit Handstichen, wobei ich viele verschiedene Garnarten verwendete.

Ursprünglich waren diese Probestücke nur zum Ausprobieren von Techniken gedacht, aber eines davon gefiel mir so gut, dass es zum endgültigen Werk wurde. Deshalb sage ich, dass ich intuitiv arbeite, denn ich lasse mir gerne von den Materialien diktieren, wie das Stück am Ende aussehen wird, anstatt mich an einen Plan zu halten. Auf diese Weise wird meine Arbeit spontaner und kreativer.

Arbeiten Sie gerne an bestimmten Themen?

Ja und nein.
Im Laufe der Jahre sind meine Arbeiten sehr vielfältig geworden, und ich denke, das spiegelt mein Interesse an der Erforschung vieler verschiedener Techniken wider. Ich liebe die traditionelle Stickerei und arbeite daher gerne an einem detaillierten handgestickten Stück, während ich am anderen Ende der Skala mit Papier, Draht und Plastik experimentiere. Trotz dieser Vielfalt kommt alles immer wieder auf meine Reaktion auf Texturen zurück. Texturen sind das, was mich wirklich reizt.

Meine Hauptthemen sind wahrscheinlich Geologie, Landschaft und Meereslandschaft. Aus diesen Inspirationsquellen kann ich sowohl realistische oder erkennbare Werke schaffen als auch einfach auf abstrakte Weise auf die Texturen reagieren.

In Ihrem Blog sprechen Sie darüber, wie Sie die Farben den Steinen zuordnen. Bitte erzählen Sie uns mehr darüber.

Letztes Jahr habe ich eine Stickerei entworfen, die sich mit Kieselsteinen beschäftigte. Ich habe die tatsächlichen Kieselsteine in dem Stück verwendet und um jeden einzelnen herum gestickt, um die Farben und Texturen der Steine aufeinander abzustimmen. Erst als ich anfing, die Kieselsteine genau zu analysieren, entdeckte ich, dass es viel mehr Farben gab, als ich ursprünglich dachte. So hatte ein blassgrauer Stein am Ende vielleicht 8 oder 9 leicht unterschiedliche Farben, als ich ihn mir genauer ansah.

Als ich die Fäden auslegte und versuchte, sie den Steinen zuzuordnen, wurden mir die Unterschiede und die Farben erst richtig bewusst. Wenn man versucht, Farben zuzuordnen, muss man dies unbedingt bei Tageslicht tun. Elektrisches Licht hat einen Gelbstich, und die Farbauswahl wird völlig falsch sein. Ein weiterer Tipp, den ich für das Anpassen von Garnfarben habe, ist, nicht einen ganzen Strang Garn neben den Bereich zu legen, den Sie anpassen wollen. Es ist viel besser, einen einzelnen Faden herauszunehmen und ihn stattdessen aufzulegen. Legen Sie außerdem mehrere verschiedene Farbtöne oder Schattierungen der Farbe aus, die Sie abgleichen wollen. Was Sie auf den ersten Blick für eine gute Wahl halten, muss nicht unbedingt die beste Übereinstimmung sein.

Manchmal konnte ich einfach nicht die richtige Farbe finden, vor allem bei Grautönen. In diesen Fällen habe ich verschiedene Fäden miteinander gemischt, um eine bessere Übereinstimmung zu erzielen. Ich nahm einen einzelnen Faden einer Naturfarbe und einen grauen Faden, zwirbelte sie leicht zusammen und verwendete sie als einen einzigen Nähfaden. Die Mischung ergab eine bessere Farbübereinstimmung und sorgte außerdem für mehr Interesse und Textur.

Ich weiß, dass die Farbabstimmung sehr knifflig sein kann, und als ausgebildete Künstlerin mit vielen Jahren Erfahrung fällt es mir vielleicht leichter als anderen Menschen. Es geht darum, genauer hinzuschauen und nicht einfach davon auszugehen, dass Grau Grau ist – es könnte auch ein rosafarbenes Grau oder ein blaugraues oder grünliches Grau sein. Die Fähigkeit, diese Unterschiede zu erkennen, ist der Schlüssel.

Sie geben Kurse, online und persönlich. Können Sie die Themen beschreiben, die Sie unterrichten?

Ich gebe verschiedene Arten von Unterricht. Ich habe einen wöchentlichen Stickereikurs, bei dem ich jedes Semester ein anderes Projekt mache, ich gebe Workshops mit lokalen Stickereigruppen hier in Schottland und ich habe meine eigenen Online-Kurse entwickelt.

In meinen Online-Kursen konzentriere ich mich derzeit auf meine Mixed-Media-Arbeiten, in denen ich Techniken für die Arbeit auf Papier, die Schaffung von Texturen und die Verwendung von Maschinen- und Handstickerei vermittle. Ich habe mehrere ausführliche Kurse, die sich auf Techniken konzentrieren, sowie einige kleinere Projekte, die Schritt-für-Schritt-Anleitungen für die Fertigstellung kleiner Kompositionen enthalten. Ich habe mehrere weitere Kurse in Planung, die ich hoffentlich im kommenden Jahr auf die Beine stellen kann und die sich nicht nur auf Mischtechniken, sondern auch auf andere Bereiche konzentrieren werden.

Mein wöchentlicher Stickereikurs und meine persönlichen Workshops sind in Bezug auf die Themen vielseitiger. Ich habe die Verwendung von Mixed Media behandelt, aber auch gestickte Schmuckprojekte, die Herstellung von 3D-Gefäßen, die Erforschung von Folientechniken und Drucktechniken unterrichtet. Ich genieße die Vielfalt der Techniken, die ich in diesen Kursen unterrichten kann, und da ich gerne experimentiere, macht es mir wirklich Spaß, mir neue Projekte auszudenken.

Lehren ist für mich ein wechselseitiger Prozess. Ich liebe es, Wissen zu vermitteln und andere zu ermutigen, kreativ zu sein, aber dabei bekomme ich auch eine Menge zurück. Ich bekomme oft neue Ideen und werde inspiriert, selbst neue Dinge auszuprobieren. Auch wenn ich nicht mehr an der Schule unterrichte, werde ich wohl immer in irgendeiner Form unterrichten wollen, weil ich es so bereichernd finde.

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