Die Blumenskulpturen von Andrea Finch finde ich ganz faszinierend. Ich wollte wissen, wie sie zu dieser Ausdrucksform gefunden hat und habe sie interviewt.

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Wo sind Sie aufgewachsen und wo leben Sie heute?

Ich bin in North Carolina geboren, aber meine Wurzeln liegen im Osten von Pennsylvania. In den ersten Jahren meiner Ehe sind wir überall hingezogen, wohin uns die Armee geschickt hat: Kalifornien, Arizona und Anfang der 90er Jahre ein Jahr lang nach Deutschland in die Nähe von Heidelberg. Heute lebe ich in Chambersburg im Zentrum von Pennsylvania.

Haben Sie eine künstlerische Ausbildung?

Ich war schon immer künstlerisch tätig und habe 1985 meinen Bachelor of Arts in Bildender Kunst an der Kutztown University in Kutztown, Pennsylvania, abgeschlossen. Ich hatte einige großartige Lehrer, aber das Quilten habe ich von Frances Bailey gelernt, als ich in Zentralkalifornien lebte. Sie war Kindergärtnerin gewesen und hatte eine Art, Fragen zu stellen, die es mir ermöglichte, meine eigene Stimme zu finden. Ich bin eine furchtbare Schülerin. Ich schweife immer wieder ab und bin nie im Einklang mit dem Rest der Klasse. Lehrer und andere Schüler bringen mich auf neue Ideen.

Ich finde, der beste Weg, seine eigene Stimme zu finden, ist, Künstlern verschiedener Medien zuzuhören, wenn sie über ihre Kunst sprechen. Man nimmt die Teile, die mit einem textilen Medium funktionieren, und macht dann jede Menge Kunst.

Ihre Arbeit hat sich von traditionellen flachen Quilts zu skulpturaler Textilkunst entwickelt. Was hat diesen Wandel von der Oberfläche zur Form ausgelöst?

Während meines letzten Semesters an der Universität belegte ich einen Kurs in Textilkunst, der Färben, Weben, Sticken und Quilten umfasste. Als ich den Stoff berührte, war mein Weg vorgezeichnet. Ich begann, traditionelle Quilts herzustellen, weil ich die kühnen abstrakten Formen liebte, aber ich war nie eine perfekte Quilterin. Ich liebte es, die Designs zu entwerfen, aber manchmal gelang es mir nicht, die perfekte 1/4-Zoll-Naht zu nähen. Ich fertigte kühne, farbenfrohe Quilts mit originellen Designs an und begann, improvisiertere und dreidimensionale Arbeiten zu entwerfen.

Das Leben ging weiter, ich bekam mein zweites Kind und hatte weniger Zeit für das Quilten. Wir zogen in ein neues Haus und obwohl ich mir ein Zimmer zum Nähen einrichtete, schien ich nie darin zu sein. Wie bei vielen Frauen ließen mir Haushalt, Familie und Arbeit wenig Zeit für meine Kunst. Ich arbeitete zwei Jahrzehnte lang in einem Gartencenter, unterrichtete Yoga und half in der Schule meiner Kinder. Ich schuf eine andere Art von Kunst, indem ich im Gartencenter gärtnerte und Pflanzen fotografierte. Nach einer Hüftoperation und einer zweiten, die bevorstand, wurde mir klar, dass ich mich auf etwas konzentrieren musste, das meinen Körper nicht so sehr belastete.

Als eine lokale Kunstmäzenin erfuhr, dass ich wieder mit der Kunst anfangen wollte, hat sie mich für eine Einzelausstellung in einer kleinen Galerie in der Nähe vorgemerkt, noch bevor ich überhaupt irgendwas gemacht hatte! Ich hatte jahrelang fotografiert, aber sie schlug mir vor, wieder mit dem Quilten anzufangen. Ich jammerte, dass das schwer sei und so viel Zeit koste! Fotografieren ging so schnell.

Ich begann mit vier kleinen Studien. Als ich zum Quilten zurückkehrte, wusste ich, dass ich keine Punkte aufeinanderlegen wollte. Ich wollte mit einer malerischen Methode arbeiten. Da ich fast zwei Jahrzehnte lang aus der Welt des Quiltens heraus war, fiel es mir leichter, mit meiner eigenen Stimme zu arbeiten. Als ich mir selbst bewiesen hatte, dass ich meine Fähigkeiten nicht verloren hatte, stürzte ich mich hinein.

Wie beeinflussen Ihr Garten und seine Veränderungen im Laufe der Jahreszeiten die Formen, Farben und Strukturen Ihrer Arbeit?

Es ist leicht, Blumen zu lieben, aber ich finde auch Knospen, Samen und Samenkapseln, Blätter und vor allem Unkraut reizvoll. Die Farben ändern sich im Laufe der Jahreszeiten. Ich bin begeistert von den kleinen grünen Blättern, die im Laufe der Blütezeit von Frühling bis Herbst aus dem Boden sprießen, und von den Blättern, die sich verfärben und fallen, und die schönen Linien der Bäume und Sträucher freilegen. Wenn ich eine neue Serie beginne, bringe ich das Motiv in mein Atelier. Auch wenn ich Dutzende von Fotos habe, kann ich durch die Betrachtung in allen Dimensionen etwas Neues in der Struktur entdecken.

Sie beginnen oft mit botanischen Formen und reduzieren diese dann zu Abstraktionen. Wie entscheiden Sie, wann Sie die „Essenz” einer Pflanze oder Struktur gefunden haben?

Neue Serien sehen am Anfang meist etwas realistisch und steif aus. Im Laufe der Arbeit lasse ich viele unnötige Elemente weg, die Linien werden einfacher und heben die Teile hervor, die mich faszinieren. Ich möchte, dass das fertige Werk erkennbar, aber abstrakt ist. Die Leute denken, meine Echinacea-Serie (Sonnenhut) seien Seeigel, Kakteen und andere stachelige Dinge. Es ist nicht wirklich wichtig, ob sie die Leute zum Lächeln bringen.

Ich habe ein Werk, das ich Magnolie nenne. Ich habe es aus allen Resten anderer Werke geschaffen: ein Blütenblatt, ein Blatt und viele stachelige Teile, die wie Locken aussehen. Für  die anderen Werke waren sie zu groß und zu verrückt. Dieses Werk ist sehr abstrakt geworden.

Sie arbeiten mit einer Vielzahl von recycelten Textilien. Was reizt Sie daran, Materialien mit einer Vergangenheit und Geschichte zu verwenden?

Ich habe einen großen Vorrat an „neuen“ Stoffen aus meiner traditionellen Phase, die ich immer noch verwende, aber ich finde sie zu perfekt, zu flach, zu leicht zu beschaffen. Ich liebe Texturen. Die wiederverwerteten und umfunktionierten Stoffe, die aus Musterbüchern von Dekorateuren, Vorhängen, Kleidern und anderen Stoffen stammen, die mir Leute geben, haben eine wichtigere Bedeutung, vielleicht weil sie weg sind, wenn sie aufgebraucht sind. Die beiden Arten von Stoffen, die ich kaufe, sind Batikstoffe und holländische Wachsdrucke. Durch ihre dichte Webart kann ich sie fest stopfen, um die Samen in meinen Blumen herzustellen.

Sie betonen die Handarbeit, haben eine ältere mechanische Nähmaschine und wehren sich gegen KI. Was bedeutet es für Sie, in der heutigen zunehmend digitalen Welt auf diese bewusste, taktile Weise zu arbeiten?

(Ich bin geizig und möchte nichts Neues lernen.)

Ich verbringe zu viel Zeit am Computer, aber ich nutze ihn nicht, um meine Kunst zu schaffen. Gelegentlich mache ich eine schnelle Skizze, wenn ich befürchte, dass mir eine Idee entgleitet. Meistens hole ich einfach Stoff aus dem Regal, schnappe mir meine Schere und fange an zu schneiden. Ich arbeite am Fließband und fertige Blütenblätter, Samen und andere Teile in allen Formen und Größen an. Nähen, wenden, absteppen, verdrahten – wenn ich dann genug Teile habe, stehen mir viele Möglichkeiten zur Verfügung.

Ich habe versucht, eine Schneidemaschine zu verwenden, aber die Zeit, die ich für die Einrichtung und die Behebung technischer Probleme benötigte, hätte mir gereicht, um das Projekt fertigzustellen.

Mir gefiel die Distanz nicht, die dadurch zwischen mir und dem Stoff entstand.

Taktilität ist ein wiederkehrendes Thema in Ihren Werken, das die Betrachter dazu einlädt, genau hinzuschauen – und sogar danach zu verlangen, sie zu berühren. Warum ist Taktilität so zentral für Ihre Kunst?

Alle Textilkunst ist taktil. Textilkünstler berühren den Stoff, das Garn, den Faden, um unsere Kunst zu schaffen. Wir interagieren intensiv mit den Medien, die wir verwenden. Es ist nicht nur eine visuelle Kunst. Selbst flache Quilts haben einen dimensionalen Aspekt.
Ich liebe es, Stoffe zu berühren. Jeder hat seine eigenen Eigenschaften. Da ich so viele verschiedene Stoffarten verwende, muss jeder Stoff anders behandelt werden. Ein dünner Stoff lässt sich anders verarbeiten als ein dicker Möbelstoff. Beim Schneiden von Hand habe ich Zeit, den Stoff kennenzulernen.

Ich liebe es, Menschen zu beobachten, wenn sie meine Kunst betrachten, ihre Hände ausstrecken, sie berühren wollen, um herauszufinden, wie sie hergestellt wurde, ob sie weich oder hart ist, wie sich der verwendete Stoff anfühlt. Für diejenigen, die die Kunst berühren möchten, gibt es zwei sensorische Ausstellungen: SEE ● TOUCH ● BUILD im Dairy Barn in Athens, Ohio, vom 17. April bis 21. Juni 2026, bei der ich drei Werke ausstelle. Und zweitens die globale Ausstellung Sensational! von Studio Art Quilt Associates, die im Juni 2027 im Brigham City Museum of Art & History, Brigham City, Utah, USA, eröffnet wird.

Ihre Arbeit umfasst wiederverwertete Textilien von Knoll Furniture, einem Unternehmen, das eng mit Ihrer Familiengeschichte verbunden ist. Wie prägt diese Verbindung die Bedeutung des Kunstwerks für Sie?

Stoffe, die eine Geschichte erzählen, wenn auch nur für mich, machen das Schaffen so viel bedeutungsvoller. Ich habe den Quilt meiner Kinder zerschnitten, um drei Skulpturen zu schaffen. Er war sehr fadenscheinig geworden. Durch das viele Waschen war er weich und abgenutzt. Ich habe ihn weggepackt, als er zu klein geworden war. Ich wollte die geliebte Decke ehren. Ich habe ein Gefäß aus einem Ballkleid aus den 50er Jahren, Blütenblätter aus einer Tischdecke meiner Schwiegermutter, Vorhänge einer Freundin und Stoff von Knoll Furniture, wo ich nach meinem College-Abschluss gearbeitet habe und wo viele meiner Familienmitglieder irgendwann einmal gearbeitet haben, hergestellt.

Wo sehen Sie sich und Ihre Kunst in zehn Jahren?

Ich bin mir nicht sicher, in welche Richtung sich meine Arbeit entwickeln wird. Vor kurzem habe ich begonnen, Gefäße herzustellen. Die Gefäße bieten mir eine großartige Fläche, um viele Geschichten zu erzählen. Ich habe die Vision, aus persönlichen Gegenständen Werke zum Gedenken zu schaffen, Gefäße, in denen man stehen kann, oder eine Galerie mit Blumen zu füllen, sodass man das Gefühl hat, in einem Garten zu spazieren.

Ich liebe meine Arbeit und habe viel mehr Ideen, als ich jemals umsetzen könnte.

Mehr von Andrea Finch finden sie auf ihrer Website: 
https://www.afinchsongcreation.com/